Замислена от своите създатели и последователи като широка тенденция в изкуството, която отразява търсенето на нови значения от съвременните художници, постмодерно изкуство е отговорът в това търсене на кризата на класическата култура.
постмодерно изкуство
Смята се, че през XNUMX-ти век е настъпила така наречената „смърт на суперфундаментите“: Бог, човек и автор. С други думи, религиозната база беше разклатена, настъпи криза на хуманистичните идеи и създателите преминаха от създаването на нова към преосмисляне на старата.
Постмодернизмът в изкуството е част от глобална тенденция, която е възприета от световната култура и философия. Постмодернизмът не е един стил, а комплекс от направления, обединени от обща идеологическа основа. Много от тях дори се бият помежду си.
Постмодернизмът е термин, произлизащ от френския език (postmodernisme). Това име отразява значението на посоката, която замени изкуството от ерата на модернизма (да не се бърка с модернизма). В края на XNUMX-ти и началото на XNUMX-ти век модернистичните (или авангардни) движения нанасят тежък удар на класическото изкуство. Но постепенно създателите престанаха да се задоволяват с модернистичните подходи.
Успоредно с множество нови технологични разработки, постмодернизмът доведе до художествени експерименти с нови медии и нови форми на изкуство в продължение на близо пет десетилетия, включително концептуално изкуство, различни видове пърформанси и арт инсталации и компютърни течения като деконструктивизъм и технология на проекцията .
Характеристики на постмодернизма
Жан-Франсоа Лиотар и други теоретици описват духовните основи на модерността като непоклатима вяра в постоянната прогресия на все по-детайлната свиваемост на света и постепенното приближаване към съвършеното познание. Тоталитарните системи на XNUMX-ти век трайно дискредитираха абсолютния характер на подобни модели.
Ето причините за необходимостта постмодернизмът да се дефинира като съзнателно скъсване с модерността. Постмодернизмът отхвърля не само съвременната вяра в прогреса, но и съществуването на разбираема обективна реалност. Постмодерната теория и естетика приемат, че цялото знание, цялото възприятие и всяка област на съзнанието и съществуването са предмет на относителността. Ключова концепция на постмодернизма е плурализмът.
Желанието на модерността постоянно да създава нещо ново и художествените средства, използвани за постигането му, се разглеждат като автоматизирани, установени и остарели в постмодернизма. Принципът, че нищо ново не може да се създаде, прави използването на цитати съществена стилистична характеристика на постмодерното изкуство.
Търсенето на откритост в концепцията за изкуство и индивидуалното произведение на изкуството разкрива почти неограничени възможности от една страна: постмодернизмът отваря различни нови форми на изразяване, преминавайки границите на жанровете.
Често използвана техника от постмодерната епоха е колажът. Този термин, въведен в началото на XNUMX-ти век за стикерите на Дада, е много по-широк в постмодерната епоха. Включва, например, мащабни инсталации, филмови техники или процеси на музикална композиция.
Автори като Умберто Еко (Името на розата), архитекти като Фриденсрайх Хундертвасер (Хундертвасерхаус, Виена) и художници като Кийт Харинг се опитват да преодолеят пропастта между елитарното разбиране за изкуството и масовата култура; това също е съществен аспект на постмодерната естетика.
Много постмодерни произведения, особено в сценичните изкуства, не искат да бъдат разбирани като перфектен резултат, а като експериментална аранжировка. Презентацията ще бъде фрагментарна (литература: Ролан Барт, Фрагменти от езика на любовта) или в процес на изпълнение (танцов театър: Уилям Форсайт, пиеса на Скот) на различни етапи от своето развитие.
Изкуствоведите дават различни отговори на въпроса какво е постмодернизъм в живописта, тъй като постмодерната култура е многостранно явление и няма ясна идеологическа платформа. Постмодернистите не създадоха универсален канон, освен това те отказаха да създадат по принцип. Може би единствената основна ценност, декларирана от привържениците на тази тенденция, е безкрайната свобода на изразяване.
Постмодернизмът не е движение, а общ начин на мислене. Следователно няма единен списък с характеристики, които да определят „постмодерно изкуство“. Има обаче редица характеристики, които са характерни за постмодерното изкуство:
- Неограничена и абсолютна свобода на художника в избора на методи за себеизразяване.
- Преосмислете традиционните образи, включвайки ги в нов контекст (оттук и широкото разпространение на римейкове, интерпретации, художествени цитати, заеми, алюзии).
- Синкретизъм, тоест сливане на разнородни елементи в едно цяло, които понякога дори си противоречат (например използването на различни стилове от художника в картина или дори комбинация от живопис с други видове изкуство).
- Диалог, тоест поглед към темата от различни ъгли, от позицията на различни «гласове», които накрая създават полифонична «симфония».
- Форма на представяне на произведението, покана на зрителя да се присъедини към творбата със значения.
- Шокираща природа на творчеството.
- Ирония и самоирония на автора. Сега художниците са много по-скептични към „големите идеи“ (напр., че всеки напредък е добър).
- Постмодернизмът е израз на широко разпространено разочарование от живота и силата на съществуващите ценностни системи и/или технологии да доведат до положителна промяна. В резултат на това авторитетът, опитът, знанията и мотивацията са паднали на лоша репутация.
- Съвременното изкуство се разглеждаше не само като елитарно, но и като бяло (в смисъл на цвета на кожата), доминирано от мъже и незаинтересовано от малцинствата. Ето защо постмодерното изкуство застъпва изкуството на художници от третия свят, феминистки и малцинства.
Постмодерно, съвременно и късно модерно изкуство
Като общо правило постмодерното изкуство и съвременното изкуство се използват повече или по-малко синоними. Въпреки това, от техническа гледна точка, постмодерното изкуство означава „след модерността“ и се отнася до фиксиран период, започващ около 1970 г., докато съвременното изкуство се отнася главно до променящия се период от около петдесет години непосредствено преди XNUMX-те.
В момента тези два периода съвпадат. Но през 2050 г. постмодерното изкуство (напр. от 1970-2020 г.) може да бъде заменено от друга ера, но съвременното изкуство тогава обхваща периода до тази година.
Във визуалните изкуства терминът късно модерно се отнася до движения или тенденции, които отхвърлят един аспект на модерното изкуство, но иначе остават в традицията на модерността. Стилове като абстрактния експресионизъм (1948-65) са практикувани от редица радикални съвременни художници, включително Джаксън Полок и Вилем Де Кунинг, които се противопоставят на много от официалните конвенции на маслената живопис.
И все пак, нито Полок, нито де Кунинг биха могли да създадат нещо като изтритата рисунка на Де Кунинг на Раушенберг, тъй като и двамата бяха силно вярващи в концепциите за автентичност и смисъл.
Историята на постмодерното изкуство
Първият значим художествен стил след Ренесанса е академичното изкуство, преподавано от професори в академиите. В академичното изкуство много стилове и течения се сближават, като класицизъм и романтизъм. От 1870 г., с идването на импресионизма, се появява модерното изкуство. Първите черти се появяват около 1970 г., което сега се обобщава като постмодерно изкуство.
Модерното изкуство се свързва най-вече с 1870-1970 век, от импресионизма до поп арта, например. Въпреки различни глобални бедствия (Първата световна война, грип, катастрофата на Уолстрийт и Голямата депресия), които подкопаха много от моралната сигурност на деня, съвременните художници като цяло поддържат вярата си в основните научни закони на природата. разум и рационалност мисъл.
Като цяло, както повечето западняци от онова време, те вярваха, че животът има смисъл. Че научният прогрес автоматично е положителен, че християнският Запад е по-добър от останалия свят, че мъжете са по-добри от жените. Модернизмът също вярваше в значението, уместността и прогреса на изкуството, особено на изобразителното изкуство и архитектурата.
Следвайки стъпките на Леонардо и Микеланджело, те вярваха във високото изкуство, изкуството, което издига и вдъхновява образования зрител, а не „ниското изкуство“, което забавлява само масите. Те възприеха прогресивен подход и видяха изкуството като нещо, което трябва да се развива непрекъснато, ръководено от водеща група авангардни художници.
Втората световна война и Холокостът обърнаха всичко с главата надолу. Париж внезапно беше заменен от Ню Йорк като столица на света на изкуството. След зверствата на войната цялото фигуративно изкуство изведнъж изглежда неуместно, така че съвременните художници се обръщат към абстрактното изкуство, за да изразят себе си.
Изненадващо, Нюйоркското училище с картините на Джаксън Полок и картината с по-спокойно цветно поле на Марк Ротко насърчава временно възраждане на изкуството от двете страни на Атлантика през 1950-те години. Авангардните художници успяват да предефинират границите на абстрактното живопис, но остана в рамките на модерността. Те вярваха в създаването на автентични, завършени произведения на изкуството със значително съдържание.
Но модерността неизбежно идваше към своя край. Нарастващите разкрития на Шоа, тестовете на атомна бомба, кубинската ракетна криза и войната във Виетнам оставиха хората все по-разочаровани от живота и изкуството.
Джаспър Джонс и Робърт Раушенберг вече са създали първите постмодерни произведения на неодада и поп арт в средата на 1950 г. Скоро мейнстрийм поп арт ще въведе самото постмодерно изкуство, тъй като американските телевизионни мрежи се фокусират върху офанзивата на Тет от 1968 г. и хаотичните Демократическата национална конвенция от 1968 г.
От този период в историята на изкуството може да се установи и отношението към изкуството от страна на художника и публиката. Художниците и зрителите на настоящето не се определят от старите представи на преподавателските и дарителските институции за това какво е изкуството и какво може да бъде изкуството. Възможностите и приложенията на изкуството станаха по-разнообразни, без да се налага да си сложите определен корсет.
Модерната архитектура е повлияна от желанието да се създаде напълно нов стил за съвременния човек. Архитектите искаха да премахнат всички исторически препратки и да създадат нещо напълно ново. Това доведе до международния стил (около 1920-1970), минималистичен дизайн на редовност.
За щастие, около 1970 г., постмодерните архитекти започват да съживяват архитектурата на XNUMX-ти век, като проектират структури с интересни характеристики, извлечени от популярната култура и по-традиционните архитектурни стилове. Структурите, които изглежда избягват гравитацията, също са станали възможни от новите компютърно контролирани възможности в рамките на деконструктивизма.
Постмодернисткото движение се оформя през 1960-те и 1970-те години на миналия век, но предпоставките за неговото възникване се свързват със светогледна криза, възникнала много преди това. Сред тях: тезата на Шпенглер за упадъка на Европа; срив на общественото съзнание поради Първата световна война; появата в науката на идеи за непоследователността и неяснотата на световния ред (от неевклидова геометрия до квантова физика).
Терминът постмодерен вече се използва в края на 1950 век и след това все повече в началото на 1970 век, но едва през 1979-те години на миналия век в смисъла на сегашното му значение. В края на XNUMX-те години двама автори допринесоха основно за утвърждаването на термина като постоянен елемент: Жан-Франсоа Лиотар с работата си La Condition postmoderne (Постмодерно знание, XNUMX) и Чарлз Дженкс с есето Възходът на постмодерната архитектура.
С въвеждането на термина постмодернизъм модернизмът за първи път се определя като затворена историческа епоха (като античността или средновековието преди нея). Постмодерното се утвърди като стилистичен термин, особено в архитектурата.
Постмодернистите стигнаха до заключението, че съвременният свят не може да бъде описан в рамките на класическите подходи към философията, науката и културата. Следователно класическите методи на изкуството не са подходящи, за да го опишат.
Използване на технология
Ерата на постмодерното изкуство съвпадна с въвеждането на няколко нови визуални технологии (като телевизия, видео, интернет и др.) и извличането на голяма полза от тях. Новата гама от видео и фотографски формати намали значението на изкуството на рисуване, а манипулирането на новите технологии позволи на художниците да съкратят традиционните процеси на създаване на изкуство, но все пак да създадат нещо ново.
Постмодерни художествени движения и стилове
Досега не е имало големи международни арт движения в постмодерното изкуство. Вместо това в ерата се появиха редица тесни, локализирани потоци, както и няколко изцяло нови форми на изкуство, като видео и рисуване с думи.
Освен това има десетки арт фракции, както и един или два анти-постмодерни център, чиито членове са се опитали да произведат вида изкуство, с което Микеланджело или Пикасо биха се гордели.
След неодадаизма постмодернистите обичат да смесват нещата или да внасят нови елементи в традиционните форми, за да създават нови комбинации. Фернандо Ботеро рисува примитивни картини на пълни фигури, Георг Базелиц рисува фигури с главата надолу.
Герхард Рихтер комбинира изкуството на камерата и рисуването в своите фотографски картини от 1970-те години на миналия век, докато Джеф Кунс комбинира ориентирани към потребителите изображения със сложни техники за скулптура, за да създаде своите скулптури от неръждаема стомана.
Андреас Гурски комбинира фотография с компютърно генерирани изображения, за да създаде произведения като Rhein II, докато Джеф Уол използва дигитално обработени фотомонтажи в своите постмодерни творения на изображения.
Сред изкуствоведите няма консенсус относно това кои художествени стилове могат да бъдат класифицирани като постмодерно изкуство: например някои стилове се класифицират едновременно като авангардни и постмодерни. Все пак може да се различи следният списък от движения и стилове на постмодернизма:
дадаизъм
Дадаистите вярваха, че бруталността на Първата световна война, която разтърси Европа, носейки болка и страдание на милиони хора, е продукт на логиката и рационализма. Поради тази причина те насърчаваха със своето творчество разрушаването на естетическите канони, цинизма, системността, ирационалността.
Колажът се превърна в основния творчески метод на дадаистките художници. Платното или хартията послужиха като фон, на който художникът създаде колаж, използвайки парчета плат, парчета хартия и други материали.
Дадата съществува сравнително кратко време: от 1916 до 1923 г. Това се дължи на факта, че неговата идеологическа платформа е пацифисткият патос, противопоставящ се на реалността на Първата световна война. През 1920-те години на миналия век дадаизмът се слива с експресионизма в Германия и със сюрреализма във Франция.
Поп изкуство
Поп арт (поп арт) е стил, който прехвърли консуматорската култура в областта на изкуството и научи човечеството да вижда красотата в тридесет и три кутии супа. Поп артът не трябва да се бърка с популярната култура. Авторите разглеждат масовата култура като обект, точно както портретистът гледа модел или пейзажист: в лоното на природата.
Темата за масовата култура, върху която попадна погледът на художника, се трансформира в нещо оригинално: арт обект, пречупен през интерпретацията на художника. От художествена гледна точка този стил апелира към материалността, обективността, за разлика от друга популярна тенденция, абстракционизма. Поп артът се ражда в борбата срещу творчеството на абстракционистите и предвещава завръщане към излагането на конкретни обекти върху платното.
Само по себе си привличането към ежедневните неща не е ново за историята на живописта. Все пак натюрмортът е погледът на художника към околните предмети. Всъщност няма голяма разлика между вазата на Караваджо и зелените бутилки на кока-кола на Уорхол. Но поп артът имаше своя собствена концептуална странност: художниците взеха емблематични предмети и изображения от масовата култура, които сега биха нарекли „мемове“.
Освен това те обръщаха внимание не само на предметите, но и на изображенията; типичен пример е диптихът на Мерилин на Уорхол. Не може да се отрече фактът, че поп артът помогна за утвърждаването на американската мечта, легитимирането на консуматорското общество и съответния начин на живот. В същото време той поставя основите на критика на философията на потреблението, която по-късно ще набере сила.
Word Art
Терминът Word Art описва категория постмодерно текстово изкуство от различни съвременни художници, присъстващи от 1950-те години на миналия век. Една проста дефиниция за текстово изкуство може да бъде „изкуство, което включва думи или фрази като основен художествен компонент“.
Изображения, базирани на текст, съдържащи думи и фрази, са публикувани в различни медии, включително живопис и скулптура, литография и ситопечат, както и приложни изкуства (тениски, чаши). Появява се и в най-новите форми на съвременното изкуство, като проекционното картографиране.
Концептуално изкуство
Концептуализмът (от латински conceptus: мисъл, представяне) е постмодерно течение в изкуството, което провъзгласява върховенството на идеята за произведение над формата на неговото художествено изразяване. Последователите на концептуализма са убедени, че техните картини, скулптури, инсталации и спектакли трябва да предизвикват у зрителя не емоции, а желание за интелектуално преосмисляне на видяното.
Концептуализмът не е комерсиално изкуство, в него обекти за творчество могат да бъдат всякакви предмети от бита, естествени материали и дори части от човешката среда. Концептуалният художник не се стреми да създаде завършена творба, а се опитва да предаде идеите си на зрителя, да се включи в своеобразна интелектуална игра.
Произведенията на концептуалното изкуство имат отличителни характеристики. Тези произведения могат да бъдат идентифицирани по следните характеристики: влияят не на емоционалното, а на интелектуалното възприятие на зрителя; често използване на обяснителен текст към произведението; съзнателното отхвърляне на твореца от смисъла на формата в полза на важността на смисъла (идеята) на произведението; създавайте арт обекти от всеки обект, достъпен за автора.
Изкуство и хепънинги
Хепънингсът е авангардна форма на изкуство, вид творческа изява, тясно свързана с пърформанс изкуството, която има своята основа в теориите на концептуалното изкуство на 1896-ти век, до голяма степен извлечена от демонстрациите на представители на Дада. , както и на Тристан Цара (1963-XNUMX). На практика не е лесно да се направи разлика между пърформанс изкуство и хепънинги.
И двете са внимателно планирани форми на забавление (макар и с елементи на спонтанност), в които художникът изпълнява (или управлява) художествено театрално събитие. Нещо по-лесно да се види, отколкото да се опише с думи.
Във всеки случай, Хепънингс е спонтанно произведение на пърформанс изкуство, което попада някъде между драма и визуално изкуство и обикновено приканва и предизвиква силен отговор от публиката.
Поради своя дада стил на преходност, той първоначално е замислен като радикална алтернатива на традиционните занаятчийски принципи и като "постоянен арт обект". Пълно обяснение на тази нова форма на постмодерно изкуство може да се прочете в книгата на Майкъл Кърби „Случки“ (1965).
Този тип арт събитие се свързва особено с нюйоркската художествена сцена около 1960 г. и все още се представя в най-добрите галерии за съвременно изкуство по света.
Абстрактно изкуство
Абстракционизмът е стил на рисуване и изкуство като цяло, който отхвърля реалистичното възпроизвеждане на околния свят. Неговите последователи представят прости и сложни форми, играят с цвят, използват линии, равнини и други обекти, комбинирайки ги, за да създадат определени емоции у зрителя. По това неговият подход се различава от този, използван от майстори, които се придържат към класицизма и много други стилове.
На пръв поглед картина от абстракционист може да изглежда като хаотична смесица от линии, форми и петна. При по-внимателно разглеждане става ясно, че художникът е създал цяла композиция, предназначена да предизвика определени мисли или настроения у зрителя.
Абстракционизмът, докато се развива, се разслоява в няколко направления, всяка от които има свои представители. Имаше видове стил като:
- Геометричен. В произведенията на художници, изпълнени в този стил, преобладават ясни форми и линии, много от тях създават илюзията за дълбочина.
- Майсторите, придържащи се към тази посока, активно работят с цветовете и техните комбинации; именно чрез тях те предават емоциите, които искат да създадат в публиката.
- Същността на това направление на живописта е в пълната липса на препратки към реални обекти и изключително ограниченото използване на цветове, форми и линии.
- Творците, работещи в тази посока, се стремят да внесат динамика, движение в своите творби, чрез които предават емоции и усещания. В същото време сенките, линиите и формите избледняват на заден план.
Сглобяване
Асамблежът е техника на декоративно-приложно изкуство, при която художникът създава релефно изображение чрез залепване на триизмерни парчета или предмети върху плоска основа. В техниката на сглобяване се допуска и използването на бои за изобразително допълнение към художествена композиция.
Асемблирането, за разлика от свързания с него колаж, е вид техника за прикрепване на триизмерни, а не на двуизмерни (плоски) елементи към предната повърхност на изображението. Благодарение на използването на обемни детайли, изображението е възможно най-реалистично и визуално ефектно.
Професионалните художници често използват домашни отпадъци и боклук, за да създават свои собствени оригинални произведения на изкуството. В ръцете на майстора голям брой разпръснати предмети от ежедневието се превръщат в художествена композиция, пълна с дълбоко естетическо съдържание.
Днес произведенията, създадени по техниката на асемблиране, неизменно привличат вниманието на ценителите на съвременното изкуство. Те често предизвикват ожесточени спорове сред критиците, но не оставят никого безразличен и следователно дават голям принос за развитието на световната култура.
Fluxus
Fluxus беше слабо организирана група от художници, която обхващаше целия свят, но имаше особено силно присъствие в Ню Йорк. Исторически за главния основател и организатор на движението се смята Джордж Мачунас, който описва Fluxus като сливане на Спайк Джоунс, Водевил, Кейдж и Дюшан.
Подобно на футуристите и дадаистите преди тях, художниците на Fluxus не одобряваха авторитета на музеите на изкуството да определят стойността на изкуството. Те също така предположиха, че не е необходимо да имате специално образование, за да видите и разберете произведение на изкуството.
Fluxus не просто иска изкуството да бъде достъпно за масите, те искаха всеки да създава изкуство през цялото време. Често е трудно да се дефинира Fluxus, тъй като много от неговите собствени художници твърдят, че самият акт на дефиниране на движението вече е твърде ограничаващ и редукционен.
За разлика от предишни арт движения, Fluxus се опита да промени световната история, а не само историята на изкуството. Упоритата цел на повечето художници е да премахнат всяка граница между изкуство и общество.
Основен принцип на Fluxus беше да отхвърли и осмие елитния свят на „високото изкуство“ и да намери всички възможни начини да донесе изкуството на масите, в съответствие със социалния климат от 1960-те. Художниците на Fluxus използваха хумора, за да изразят своето намерение и , заедно с Дада, Fluxus беше едно от малкото движения в изкуството, които можеха да вървят по опънато въже.
Въпреки игривото си поведение, художниците на Fluxus бяха сериозни за желанието си да променят баланса на силите в света на изкуството. Неговото неуважение към високото изкуство оказа влияние върху възприемания авторитет на музея като авторитет за това кой и какво да счита за художници.
Fluxus ангажира зрителя и разчита на елемента на случайността, за да оформи крайния резултат от произведението. Използването на случайността е използвано и от Дада, Марсел Дюшан и други изпълнители от онова време. Изпълнителите на Fluxus бяха силно повлияни от идеите на Джон Кейдж, който вярваше, че човек трябва да подходи към парче без представа за крайния резултат. Важното беше процесът на създаване, а не крайният продукт.
Видеоарте
Видеото е една от най-разнообразните налични медии. Видеофилмът може да бъде самото произведение на изкуството и/или запис за това как е направено произведението на изкуството; може също да бъде елемент в инсталация и/или част от множество видео подреждане. Видеото прави изкуството по-динамично и живо. От края на 1980-те години и видеото, и анимацията разчитат на използването на компютърен софтуер за манипулиране на изображения.
фотореализъм
Фотореализмът е жанр на живописта, който се появява в края на 1960-те години на миналия век в отговор на нарастващата популярност на абстракцията. Оттогава фотореалистичните картини с тяхното огромно внимание към детайлите осигуряват оптични илюзии, които могат да бъдат установени само отблизо като рисувани изображения на фотографския оригинал.
Вместо да наблюдава и представя случващото се в реалността, фотореализмът е вдъхновен от фотографията. Визуалната информация, заснета от камера, се използва за създаване на илюзионистични картини, рисунки и други произведения на изкуството. Художниците често проектират снимки върху платно, така че изображенията да могат да бъдат изобразени с точност и детайли.
Arte Povera
Arte Povera (от италианския израз за „лошо изкуство“ или „бедно изкуство“) е едно от най-важните и изявени авангардни движения в изкуството, които се появяват в Южна Европа в края на XNUMX-те години на миналия век.
Това включваше работата на дузина италиански художници, чиято основна творческа характеристика беше използването на ежедневни материали, напомнящи за прединдустриалната епоха. Мръсотията, камъните и дрехите бяха особено популярни: „отпадъци“ или евтини материали, които използваха за своето изкуство. Този подход към изкуството атакува преобладаващите представи за стойност и коректност и изтънчено критикува индустриализацията и механизацията на Южна Европа по това време.
Работата му бележи реакция към абстрактната живопис на модернизма, която контролира европейското изкуство през предходното десетилетие, от което той се отличава, като се фокусира повече върху скулптурната работа, отколкото върху живописта.
Някои от най-значимите произведения на групата са създадени чрез контраста между суровините и едновременните препратки към възхода на потребителската култура. Убеден, че модерността заплашва да изкорени колективното наследство, Arte Povera се опитва да противопостави новото със старото.
Освен че отхвърлиха технологичното състезание, художниците, свързани с Arte Povera, отхвърлиха това, което възприемаха като научен реализъм. Противно на методичния подход към пространствените отношения, те предизвикаха мит, чиито тайни не бяха лесни за обяснение.
Художниците представиха абсурдни и закачливи съпоставки, често на новото и старото или силно обработеното и прединдустриалното. По този начин те илюстрират някои от ефектите на модернизацията, която допринася за унищожаването на места и спомени, докато се придвижва все по-далеч в бъдещето.
Интересът на Arte Povera към лошите материали може да бъде свързан с няколко други художествени движения от 1950-те и 1960-те. Например, те споделят някои техники с движения като Fluxus и Nouveau Réalisme в тяхната комбинация от лесно достъпни материали с подрязване. функция.
постминимализъм
В постминималистичното изкуство, термин, използван за първи път от изкуствоведа Робърт Пинкус Витън, фокусът се измества от чистотата на идеята към нейната комуникация. Като пример можете да видите творбите на немско-американската художничка Ева Хесе.
феминистко изкуство
Художествено движение, което се занимава с конкретно женски проблеми като раждане, насилие над жени, условия на труд на жените и много други. Участващите артисти включват Луиз Буржоа и родената в Япония изпълнителка Йоко Оно.
деконструктивизъм
Деконструктивизмът е една от най-впечатляващите визуално форми на изкуството, създавани някога. Неговият причудлив, но интензивно творчески стил на архитектурата на 80-ти век се появява в края на XNUMX-те години, предимно в Лос Анджелис, но също и в Европа.
Като част от постмодерното изкуство, станало възможно чрез използването на софтуер за проектиране на аерокосмическата индустрия, деконструктивистката архитектура контрастира с подредената рационалност на геометрията и благоприятства извънземния подход към дизайна, който обикновено изкривява екстериора на структурата, като същевременно подкопава елементите. ценностите на модерността .
Някои историци смятат, че деконструктивистката философия също се противопоставя на постмодерното изкуство, въпреки че практическите последици от това са неясни. В крайна сметка архитектът деконструктивист трябва да следва съвременните и постмодерните закони на науката, независимо дали му харесва или не.
Най-известният представител на деконструктивистката архитектура е канадско-американският носител на наградата Прицкер Франк О. Гери. Други известни деконструктивисти включват Даниел Либескинд, Заха Хадид, Бернар Чуми и Питър Айзенман. Необикновените деконструктивистки сгради включват: Dancing House (Прага), Guggenheim Museum (Билбао) и Vitra Design Museum във Weil am Rhein.
Деконструктивистката архитектура се характеризира с манипулиране на повърхността, фрагментация и нелинейни форми, които изкривяват и отменят архитектурните конвенции за структура и повърхност. По този начин елементите, които изглеждат противоречат един на друг, умишлено се противопоставят, за да оспорят традиционните идеи за хармония и приемственост.
циничен реализъм
Движение за съвременно китайско изкуство, което се появява след поражението на площад Тянанмън (1989 г.). Циничните реалисти използваха фигуративен стил на рисуване с подигравателен разказ. Повтарящите се мотиви са фигури, плешиви мъже и фотографски портрети. Стилът се подиграва на политическия и социалния статус на Китай и тъй като това беше нова зора за китайските художници, той беше добре приет от западните колекционери на изкуство.
Постмодерна литература и кино
Характеристиките на постмодерната литература включват внимателно боравене с наличното под формата на цитати и алюзии и игра с литературни жанрове. Характерно е и изграждането на многобройни нива на действие и взаимоотношения, често нарушени.
Вероятно най-известният постмодерен роман е Името на розата от Умберто Еко. С много сложна литературна структура като криминален роман Еко успява да преодолее пропастта между така наречената висока култура и масова култура. Исторически, литературни и художествени исторически цитати и препратки правят книгата образователен роман или дори литературен конкурс. Но дори и тези, които не се интересуват от него, могат да се насладят на работата на Еко като вълнуващ трилър.
По подобен начин Питър Гринуей комбинира историческия филмов жанр с трилъра в своя филм „Договорът на карикатуриста“ от 1982 г., но за разлика от Ехо, той не решава загадката. Въпреки че сюжетът предоставя множество класически улики, всички те не водят до никъде.
визуални изкуства
Използването на термина постмодерен е отхвърлено от много теоретици и художници, особено в областта на визуалните изкуства, предвид широкия спектър от форми на изразяване. Отхвърлянето на модернистката вяра в иновациите също е една от основите на постмодерната естетика в изобразителното изкуство. Постмодернизмът е свързан с исторически категории на изкуството, които са били отхвърлени от модерността, като наративни и митологични структури.
Това вече започва с изображенията на Анди Уорхол на икони от 1950-ти век, от Елвис до Джаки Онасис. Поп артът също отбеляза скъсването с модерността през XNUMX-те години на миналия век, като се сбогува с абстракцията. През XNUMX-те години на миналия век визуалните изкуства, подобно на архитектурата на времето, подчертават значението на чувствените, емоционалните и традиционните аспекти пред теорията и концепцията.
През XNUMX-те години на миналия век колективът New Wild (Neue Wilden) разчупи доминацията на минималистичния и концептуално трудолюбив авангард със своята експресивна и представителна живопис. Подобни тенденции имаше в САЩ и Италия.
След като вихрушката се настани около Новите диваци, се наложиха тенденции, които се фокусираха върху рефлексията върху средата на живописта и чувственото експериментиране с изобразителни медии (Зигмар Полке, Анселм Кифер, Герхард Рихтер), рисуването, представящо преобладаването на минималистичния и концептуален трудов авангард. градина. Подобни тенденции имаше в САЩ и Италия.
Характерни за времето са двама художници, чието творчество включва естетиката на субкултурата и масовата култура: Кийт Харинг и Джеф Кунс. Харинг успява да комбинира елементи от графити изкуство, комикси, компютърен жестомимичен език, детска рисунка и ранна историческа живопис в силно поетичен жестомимичен език, разбираем в много култури. Джеф Кунс си направи име в началото на 1990-те с провокативната баналност на своите поданици.
Използваният материал обикновено е с високо качество, но дизайнът на повърхността му навява света на дреболии и кича, като частично позлатената порцеланова фигурка в естествен размер на Майкъл Джексън с неговото шимпанзе Bubbles.
Изискването на постмодерната естетика за плурализъм, субективност, отдалечаване от абстракцията, включването на средствата за масова информация, размиването на границите на пола и приемането на цитатите като художествена среда донесе цвят и движение в пейзажа, художествен и музей.
Евентуалното признаване на фотографията и филма като художествена среда може да се разглежда като траен резултат от постмодерните тенденции. Временен акцент: През лятото на 2002 г. Музеят Лудвиг в Кьолн ще покаже всичките пет филма от наскоро завършения "Cremaster Cycle" на Матю Барни като част от голяма изложба.
Архитектура
В средата на 1970-те години Чарлз Дженкс въвежда термина постмодернизъм в архитектурния дискурс. По този начин постмодерният дискурс достига за първи път до широката публика. Стиловите принципи на постмодерната архитектура вече ясно се появиха в този момент.
Изисква се демократичен и комуникативен архитектурен език, чиято естетика не трябва да се основава само на функция, но и на значимо съдържание. Беше поискано и включването на измислени елементи, като готиката, която виждаше изображение на небесния Йерусалим в катедралата.
В същото време се засили тенденцията за запазване и препроектиране на исторически сгради. Най-яркият пример е Gare d'Orsay в Париж, който отвори врати като Musée d'Orsay през 1986 г. Такива исторически сгради повлияха на езика на постмодерната архитектура, който от самото начало се определяше силно от цитати.
За да се избегне нов историзъм, мотото беше, че еклектизмът, който се изразяваше например в използването на колони, прозорци и решетки, трябва иронично да бъде разбит. Спектърът на постмодерната архитектура се развива особено в сградата на музея от XNUMX-те и XNUMX-те години.
В допълнение към музея Abteiberg на Ханс Холайн (Мьонхенгладбах), Държавната галерия на Джеймс Стърлинг (Щутгарт) се счита за успешен и характерен продукт на постмодернизма. В дизайна на Стърлинг множество алюзии за историческа архитектура, от Египет до класически модернизъм, са слети с цветове на поп културата и типични регионални материали от пясъчник и травертин, за да създадат сплотена, съвременна форма.
В последно време, когато става дума за музейно строителство, характерът на преживяването излиза все повече на преден план от образователното изискване.
Вместо да се съзерцава медитативно изкуство, се изисква постановка, а самата архитектура е поставена със зашеметяващи гледки и театрални ефекти. Първите публични посещения все по-често се извършват преди картините да бъдат окачени, за да може да се изживее архитектурата.
Постмодерният фокус върху популярната култура
Художествените критици често използват термина „висока култура“, когато се опитват да разграничат изкуството на живописта и скулптурата (и други визуални изкуства) от популярната култура на списанията, телевизията и други масово произведени продукти. Модернизмът и неговите влиятелни последователи като Грийнбърг (1909-94) разглеждат тези форми на култура като по-ниски. Обратно, постмодернистите, които предпочитат по-демократична концепция за изкуството, виждат „високата култура“ като по-елитарна.
Поп артът, първото постмодерно движение, превърна обикновените потребителски стоки в изкуство. Поп артисти и други отидоха още по-далеч в опитите си да демократизират изкуството, като отпечатаха своето „изкуство“ върху чаши, хартиени торби и тениски: метод, който между другото илюстрира постмодерното желание, оригиналност и автентичност. Подкопава изкуството.
Постмодерните художници са изоставили идеята, че произведението на изкуството има само едно присъщо значение. Вместо това те вярват, че зрителят е също толкова важен източник на смисъл. Сюрреалистичната фотография на Синди Шърман, например, подчертава идеята, че произведението на изкуството може да бъде интерпретирано по много начини.
Всъщност някои художници, като изпълнителката Марина Абрамович, дори позволяват на зрителите да участват в тяхното изкуство или дори изискват принос на публиката, за да завършат работата си.
Фокусирайте се върху шоуто
При липсата на истински смисъл в живота, особено когато сме подложени на радио и телевизионни реклами ден и нощ, постмодерните художници са предпочели да се ограничават в стил и спектакъл, често използвайки промоционални инструменти и техники, за да постигнат по-голямо въздействие. Този подход е илюстриран в процеса на комерсиален печат, който използва изображения, подобни на плакати от поп изпълнители като Рой Лихтенщайн и Джеймс Розенквист.
Фокусът върху повърхността е обща черта на постмодерното изкуство и понякога излиза на преден план с театрални, брилянтни, силно въздействащи образи. От 1980 г. използването на компютри и други технологии революционизира мултимедийното изкуство (напр. анимацията) и създаде специфични възможности в области като архитектурата.
Колко важно е да се привлече вниманието на публиката в постмодернизма показва шоковата тактика на група студенти от Голдсмитс Колидж, известни като Млади британски художници, в Лондон в края на XNUMX-те и XNUMX-те години на миналия век. Прочути с три шоута, YBAs бяха критикувани за лошия си вкус, но някои от тях станаха носители на наградата Търнър, докато други постигнаха значителна известност и богатство.
Посрещнете нуждите на потребителите
Възходът на потребителското поведение и непосредствената култура на наслада през последните десетилетия на XNUMX-ти век също оказаха силно влияние върху визуалните изкуства. Сега потребителите искат иновации. Те също искат отдих и забавление. Много постмодерни художници, куратори и други професионалисти се възползваха от възможността да превърнат изкуството в продукт на забавление.
Въвеждането на нови форми на изкуство като представления, събития и инсталации, както и нови теми, включително мъртви акули, гигантски ледени скулптури, много голи тела, сгради, които изглеждат в движение, колекция от тридесет и пет хиляди теракотени фигури, боядисани тела, призрачни прожекции върху обществени сгради (и много други) - дадоха на зрителите множество нови, понякога шокиращи преживявания.
Дали тези нови форми на изкуство всъщност са „изкуство“, остава въпрос, който предизвиква много дискусии. Постмодерните концептуалисти твърдят, че е така, докато традиционалистите отказват да го разглеждат като такъв.
принципи на постмодерното изкуство
За специалистите постмодерното изкуство се състои от три основни принципа, които ще го управляват по общ начин, без да бъдат напълно ограничаващи:
непосредствен смисъл
Няма повече избледнели картини с маслени бои, изобразяващи вдигащи косите събития от гръцката митология, за да предизвикат осъзната усмивка от културния наблюдател. От началото си в движението поп арт постмодерната живопис и скулптура са смели, брилянтни и незабавно разпознаваеми.
Темите и изображенията са взети предимно от високопоставени потребителски продукти, списания, реклами, телевизия, филми, анимационни филми и комикси. За първи път всички разбраха изложеното изкуство. Въпреки че постмодернизмът се е развил от поп арт, една основна цел на смисъла остава веднага очевидна.
Изкуството може да се направи от всичко
Надграждайки традициите на Марсел Дюшан, чийто писоар със заглавие Фонтан (1917) е първият известен пример за обикновен предмет, превърнат в произведение на изкуството (друг пример: Историята на готовото), художниците постмодернисти го правят техният бизнес да създава изкуство от най-необичайните материали и отломки. Идеята зад него е изкуството да се демократизира и да стане по-достъпно.
Идеята е по-важна от самата творба
До 1960-те години на миналия век художниците като цяло вярваха, че без завършен продукт няма да има нищо. Голямо внимание беше отделено на качеството на завършеното произведение на изкуството и необходимата за него изработка. Днес нещата са различни.
Постмодернистите са склонни да вярват повече в концепцията зад крайния продукт, отколкото в самия продукт, поради което голяма част от „постмодерното изкуство“ се нарича „концептуално изкуство“ или „концептуализъм“. Други форми на концептуализъм включват инсталации, сценични изкуства, хепънинги, прожекционно изкуство и няколко други.
Известни постмодерни художници
Тъй като сме съвременници на постмодерното изкуство, е трудно да различим емблематичните имена на времето. Само след изтичане на времето ще може да се каже кои художници са оставили изразителна следа в историята на живописта и чия слава е само почит към модата. Но тъй като постмодернизмът се развива повече от половин век, можем да назовем някои от имената, които вече са вписани в историята. Те включват например:
- Дадаист, сюрреалист и основател на концептуализма Марсел Дюшан
- Анди Уорхол лидер на поп арт
- Пионерът на монтажа Сезар Балдачини
- Известният концептуалист Брус Науман
- Робърт Раушенберг, Ремедиос Варо Уранга, Франсис Бейкън, Деймиън Хърст, Джеф Кунс.
Марсел Дюшан
Марсел Дюшан (роден на 28 юли 1887 г. – починал на 2 октомври 1968 г.) е майстор на авангардното изкуство, известен със своите екстравагантни произведения на изкуството. Творчеството на Марсел Дюшан противоречи на установените традиции и многократно е обсъждано в скандалната хроника от двете страни на океана.
В началото на кариерата си той рисува картини в стил постимпресионист, отдавайки почит на кубизма и фовизма, но след това се отказва от рисуването и се интересува от създаването на инсталации, където смесва техники и използва материали с различни текстури. Революционните идеи на художника оказват голямо влияние върху развитието на концептуалното изкуство през XNUMX век.
Анди Уорхол
Анди Уорхол (роден на 6 август 1928 г. – починал на 22 февруари 1987 г.) е търсен американски художник и галерист от XNUMX-ти век. Той има голям принос за развитието на комерсиалното поп арт. Анди Уорхол с право се смята за лидер на такава тенденция като uomo universale.
Робърт Раушенберг
Робърт Раушенберг (роден на 22 октомври 1925 г. – починал на 12 май 2008 г.) титанът на американското изкуство на XNUMX-ти век според вестник The New York Times, беше изключителен художник и създател, представител на абстрактния импресионизъм, концептуализъм, готов и основател на поп арт.
Картините на Робърт Раушенберг са колажи и инсталации, обелиски, предмети от бита и други предмети, които трудно се класифицират. Творчеството на майстора, както и неговата биография, е шокиращо, изненадващо, отвратително и очарователно, но не оставя никого безразличен. Огнен бисексуален, разочарован фармацевт, противник на всичко класическо и обикновено, той постоянно предизвиква себе си и света около себе си.
Ремедиос Варо Уранга
Ремедиос Варо Уранга (роден на 16 декември 1908 г. – починал на 8 октомври 1963 г.) е испански и мексикански художник от XNUMX-ти век, оригинален представител на сюрреализма. Творчеството на Ремедиос Варо излиза извън рамките на класическата живопис: сънища, философски размишления, магия, механика, история и окултизъм се преплитат в творбите на сюрреалиста.
В същото време картините на Ремедиос Варо са подчертано лирични и женствени, изпълнени със средновековна атмосфера и препращат зрителя към произхода на Вселената. Картините на Ремедиос Варо са изпълнени с екстравагантни приказни герои, механични конструкции и природа. За разлика от класическия сюрреализъм, във всяка от творбите на художника е ясно проследен сюжет, който води зрителя до определени изводи.
Франсис Бейкън
Франсис Бейкън (роден на 28 октомври 1909 г. – починал на 28 април 1992 г.) е майстор на британския експресионизъм, един от най-двусмислените и брутални художници на XNUMX-ти век. Работата на Франсис Бейкън е призната за впечатляваща: най-ужасяващите творения на човешката фантазия оживяват в картините му.
Франсис Бейкън не получава академично образование. В същото време той е невероятно търсен и популярен. Картините на майстора са върховната мечта както за частни галерии, така и за най-известните световни музеи, които изобщо не са против да включат творчеството му в колекцията. Някои от шедьоврите на художника са на стойност десетки милиони долари и са включени в списъците с най-скъпите произведения на изкуството.