Като древна култура, Япония показва своето изкуство през всичките тези години, научете с нас чрез тази интересна статия, всичко за древните Изкуство японски, развиван във времето в различни периоди и стилове. Не го пропускай!
японско изкуство
Когато говорим за японско изкуство, ние говорим за това, което тази цивилизация е уведомила във времето в различни фази и стилове, които временно са били развити със социалното и културно развитие на японския народ.
Вариациите, които изкуството претърпява в Япония, са следствие от нейното технологично развитие, където можем да осъзнаем използването на суровината на страната в нейните художествени изяви. Освен така нареченото западно изкуство, неговите най-емблематични изрази са повлияни от религията и политическата власт.
Една от основните характеристики на японското изкуство е неговият еклектизъм, идващ от различните народи и култури, които пристигат на неговите брегове с течение на времето: първите заселници, които се заселват в Япония - известни като айни - принадлежат към севернокавказки клон и Източна Азия, вероятно пристигнал, когато Япония все още била прикрепена към континента.
Произходът на тези заселници е несигурен и историците разглеждат различни хипотези, от урал-алтайска раса до възможен индонезийски или монголски произход. Във всеки случай тяхната култура изглежда отговаря на горния палеолит или мезолит.
Впоследствие различни групи от малайската раса от Югоизточна Азия или тихоокеанските острови пристигат на японските брегове, както и в Корея и различни части на Китай, като постепенно се въвеждат от юг, измествайки айните. северно от Япония, докато в по-късна вълна различни етнически групи от Китай и Корея идват в Япония.
Към тази расова смес трябва да се добави и влиянието на други култури: поради своята изолация Япония е била изолирана през голяма част от своята история, но на интервали е била повлияна от континенталните цивилизации, особено Китай и Корея, особено от V век.
По този начин японската култура на предците, която се появи от последователни аванпостове на имиграцията, добави чуждо влияние, създавайки еклектично изкуство, отворено за иновации и стилистичен прогрес.
Интересно е също така да се отбележи, че голяма част от изкуството, произведено в Япония, е религиозно основано: към типичната за региона шинтоистка религия, формирана около XNUMX-ви век, будизмът е добавен около XNUMX-ти век, създавайки религиозно сливане, което продължава да съществува днес и това е оставил своето отражение и в изкуството.
Японското изкуство е следствие от тези различни култури и традиции, интерпретирайки по свой начин внесените от други страни форми на изкуство, които постига според своята концепция за живота и изкуството, извършвайки промени и опростявайки неговите специфични характеристики.
Подобно на сложните китайски будистки храмове, които в Япония са преминали през метаморфоза на изоставяне на определени елементи от своето изкуство и да ги съединяват с други, това изразява единния характер на това изкуство, така че то винаги естествено е вземало нещо от друга култура на други страни.
Японското изкуство има в японската култура страхотно усещане за медитация и взаимовръзката между човека и природата, представена и в предметите, които го заобикалят, от най-пищно украсените и подчертани до най-простите и ежедневни.
Това се вижда от стойността, която се придава на несъвършенствата, ефимерната природа на нещата, хуманитарния усет, който японците установяват със своята среда. Точно както при чайната церемония, те ценят спокойствието и спокойствието на това състояние на съзерцание, което постигат с прост ритуал, базиран на прости компоненти и хармония на асиметрично и незавършено пространство.
За тях спокойствието и балансът са свързани с топлина и комфорт, качества, които от своя страна са истинско отражение на тяхната концепция за красота. Дори по време на хранене не е важно количеството храна или нейното представяне, а сетивното възприятие на храната и естетическото значение, което придава на всяко действие.
По същия начин художниците и занаятчиите от тази страна имат висока степен на свързаност с творчеството си, чувствайки материалите като съществена част от живота си и от комуникацията си с околната среда, която ги заобикаля.
Основи на японското изкуство
Японското изкуство, както и останалата част от неговата философия - или просто неговият начин на виждане на живота - е подчинено на интуиция, липса на рационалност, емоционално изразяване и простота на действията и мислите. често се изразява символично.
Две от отличителните черти на японското изкуство са простотата и естествеността: художествените изрази са отражение на природата, така че не изискват сложна продукция, всичко това води до факта, че това, което художниците искат, е това, което е очертано, предложено, да бъде дешифрирано по-късно от зрителя.
Тази простота е предизвикала в живописта тенденция към линейно рисуване, без перспектива, с изобилие от празни пространства, които въпреки това се интегрират хармонично в цялото. В архитектурата той се материализира в линейни дизайни, с асиметрични равнини, в съчетание на динамични и статични елементи.
От своя страна тази простота в японското изкуство е свързана с вродена простота в отношенията между изкуство и природа, която е част от тяхната идиосинкразия, която се отразява в живота им и те я преживяват с деликатно усещане за меланхолия, почти тъга.
Как преминаването на сезоните им дава усещане за мимолетност, където можете да видите еволюцията, която съществува в природата поради ефимерния характер на живота. Тази простота е отразена преди всичко в архитектурата, която се интегрира хармонично в заобикалящата я среда, както показва използването на естествени материали, без работа, показвайки грубия й, незавършен вид. В Япония природата, животът и изкуството са неразривно свързани, а художествените постижения са символ на цялата вселена.
Японското изкуство се стреми да постигне универсална хармония, надхвърляйки материята, за да намери пораждащия принцип на живота. Японската орнаментика се стреми да намери смисъла на живота чрез изкуството: Красотата на японското изкуство е синоним на хармония, творчество; това е поетичен импулс, сетивен път, който води до реализация на творбата, която няма самоцел, а излиза отвъд.
Това, което наричаме красота, е философска категория, която ни препраща към съществуването: тя се състои в достигането на смисъл с цялото. Както е изразено от Suzuki Daisetsu: "красотата не е във външната форма, а в смисъла, в който е изразена."
Изкуството не започва с неговия разумен характер, а с неговите внушаващи атрибути; Не е задължително да е точен, но да показва дарба, която води до цялост. Той има за цел да улови същественото чрез тази част, която внушава цялото: празнотата е допълнение към съществуващия японски.
В източната мисъл съществува единство между материя и дух, което преобладава в съзерцанието и общуването с природата, чрез вътрешно придържане, на интуицията. Японското изкуство (gei) има по-трансцендентно значение, по-неосезаемо от концепцията за приложното изкуство на Запад: това е всяка проява на ума, разбирана като жизнена енергия, като същността, която дава живот на нашето тяло, която всъщност се развива и развива се, осъзнавайки единството между тяло, ум и дух.
Усещането за японско изкуство се е развило с течение на времето: от неговото начало, където са съществували първите следи от изкуство и красота, те датират от древни времена, когато са изковани творческите принципи на японската култура и тези, които са били изразени в най-важните литературни произведения от страната:
Kojiki, Nihonshoki и Man 'yōshū, горните са публикации, първите две са за първите произведения от историята на Япония, а последното е за стихотворения, написани през първото хилядолетие, за това време преобладава мисълта на Саяши („чиста, сигурно, свежо“), намеквайки за вид красота, характеризираща се с простота, свежест, известна наивност, която идва с използването на леки и естествени материали като Haniwa Figure Land или дърво в архитектурата.
Можем да класифицираме светилището Исе като най-доброто представяне на този стил, изработено от кипарисово дърво, което се обновява на всеки двадесет години от XNUMX-ми век, за да запази своята откровеност и свежест. От това понятие произтича една от константите на японското изкуство: стойността, която се приписва на ефимерната, ефимерната, ефимерната красота, която се развива във времето.
В Man 'yōshū саякеши се проявява в чувствата, че е верен и изпитан, както и в описанието на това как компонентите като небето и морето му дават усещане за величие, което завладява човека.
Саякеши е свързан с концепцията за Нару („ставане“), в която времето се оценява като жизнена енергия, която се сближава в ставането, в кулминацията на всички действия и всички животи.
Поставяйки се в периодите Нара и Хейан, художественият аспект на изкуството се развива бързо благодарение на първия контакт с китайската култура, както и идването на будизма. Основната концепция на тази епоха беше съвестта, емоционално чувство, което завладява зрителя и води до дълбоко чувство на съпричастност или съжаление.
Свързан е с други термини като окаши, този, който привлича със своята радост и приятен характер; omoshiroi, свойство на сияещи неща, които привличат вниманието със своя блясък и яснота; юби, понятието за изящество, за елегантност; yūga, качество на изтънченост в красотата; en, привличането на чара; кралят, красотата на спокойствието; ясаши, красотата на дискретността; и ушинът, дълбокият усет към художественото.
Историята на Мурасаки Шикибу за Генджи, която въплъщава нова естетическа концепция, наречена моно-не-осъзнаване - термин, въведен от Мотори Норинага-, който предава усещане за меланхолия, съзерцателна тъга, произтичаща от преходността на нещата, мимолетна красота, която трае момент и остава в паметта.
Но преди всичко това е чувство на деликатна меланхолия, което може да доведе до дълбока тъга, когато дълбоко усетиш издишаната красота на всички същества на природата.
Тази философия за „идеалния стремеж“ към красотата, за медитативно състояние, в което се срещат мисълта и света на сетивата, е характерна за вродения японски деликатес за красота и е очевидна във фестивала Ханами, празника на черешовото дърво в цъфтят.
В японското средновековие, периодите на Камакура, Муромачи и Момояма, където характерното е военното господство в цялото феодално общество на страната, се появява концепцията за до („пътя“), която генерира развитието на изкуството за това време. , е показано в церемониалната практика на социалните обреди, за което свидетелстват шодо (калиграфия), чадо (чайна церемония), кадо или икебана (изкуството на аранжиране на цветя) и kōdō (церемония с тамян).
Практиките нямат значение резултатът, а еволюционният процес, еволюцията във времето - отново наруто -, както и талантът, показан в перфектното изпълнение на обредите, което означава умение, както и духовна ангажираност в стремеж към съвършенство.
Вариант на будизма, наречен Дзен, който набляга на определени „правила на живота“, базирани на медитация, при които човекът губи самосъзнание, оказа решаващо влияние върху тези нови концепции. Така цялата ежедневна работа надхвърля своята материална същност, за да означава духовно проявление, което се отразява в движението и ритуалното протичане на времето.
Тази концепция намира отражение и в градинарството, което достига такава степен на важност, където градината е визия на космоса, с голяма празнота (море), която е изпълнена с предмети (острови), въплътени в пясък и скали. и където растителността предизвиква течение на времето.
Дзен амбивалентността между простотата и дълбочината на трансцендентния живот прониква дух на „проста елегантност“ (уаби) не само в изкуството, но и в поведението, социалните взаимоотношения и по-ежедневните аспекти на живота. . Учителят Сешу каза, че „Дзен и изкуството са едно“.
Този дзен е представен в седем декоративни факта: фукинсей, начин за отричане на оптимизацията за постигане на баланса, присъстващ в природата; kanso , извадете каквото е останало и това, което извадите, ще ви накара да откриете простотата на природата.
Kokō (самотно достойнство), качество, което хората и предметите придобиват с течение на времето и им придават по-голяма чистота на тяхната същност; шизен (естественост), което е свързано с искреността, естественото е истинско и неподкупно; yūgen (дълбочина), истинската същност на нещата, която надхвърля тяхната проста материалност, техния повърхностен външен вид.
Дацузоку (откъснатост), свобода в практикуването на изкуствата, чиято мисия е да освобождава ума, а не да го контролира – по този начин изкуството освобождава всякакви параметри и правила –; сейяку (вътрешно спокойствие), в ситуация на тишина, спокойствие, необходимо за протичането на шестте предишни принципа.
Това е особено чайната церемония, където японската концепция за изкуство и красота е майсторски синтезирана, създавайки автентична естетическа религия: "теизъм". Тази церемония представлява култа към красотата в противовес на вулгарността на ежедневието. Неговата философия, както етическа, така и естетическа, изразява цялостната концепция на човека с природата.
Неговата простота свързва малките неща с космическия ред: животът е израз, а действията винаги отразяват мисъл. Временното е равно на духовното, малкото е голямото.Това понятие се среща и в чайната (сукия), ефимерен строителен продукт на поетичен импулс, лишен от орнаменти, където се почита несъвършеното и винаги се оставя нещо недовършени, което ще завърши въображението.
Липсата на симетрия е характерна, поради Дзен мисленето, че стремежът към съвършенство е по-важен от самия него. Красотата може да бъде открита само от онези, които допълват чрез своите разсъждения това, което липсва.
И накрая, в съвременната епоха - която започва с периода Едо - въпреки че предишните идеи продължават да съществуват, се въвеждат нови художествени класове, които са свързани с появата на други социални порядки, които възникват с модернизирането на Япония: sui е определен духовен деликатес, открит главно в литературата на Осака.
Мисълта на Ики е достойна и пряка благодат, особено присъстваща в кабуки; Каруми е концепция, която защитава лекотата като нещо изначално, под което се получава „дълбочината“ на нещата, отразена по-специално в поезията на хайку, където Шиори е носталгична красавица.
"Нищо не трае, нищо не е пълно и нищо не е съвършено." Това биха били трите ключа, на които се основава „Уаби саби“, японски израз (или вид естетическа визия), който се отнася до красотата на несъвършеното, непълното и променящото се, въпреки че се отнася до красотата на скромен и скромен, нетрадиционен. Философията на "уаби саби" е да се насладиш на настоящето и да намериш мир и хармония в природата и малките неща и спокойно да приемеш естествения цикъл на растеж и упадък.
В основата на всички тези елементи стои идеята за изкуството като творчески процес, а не като материална реализация. Окакура Какузо пише, че „само художници, които вярват във вроденото изкривяване на душата си, са способни да създадат истинска красота“.
Периодизация на японското изкуство
В тази статия ще използваме сегментиране на големи периоди по отношение на забележителни художествени промени и политически движения. Изборът обикновено варира според критериите на автора и много от тях могат също да бъдат разделени. Съществуват обаче и различия по отношение на началото и края на някои от тези периоди. Ще вземем този, направен от археолога Чарлз Т. Кели, който е следният:
Японско изкуство в пластичните изкуства
През периода на мезолита и неолита той остава изолиран от континента, така че цялото му производство е негово, макар и малко значение. Те са били полузаседнали общества, живеещи в малки села с къщи, вкопани в земята, набавяйки хранителните си ресурси главно от гората (елени, диви свине, ядки) и морето (риби, ракообразни, морски бозайници).
Тези общества са имали сложна организация на работа и са се занимавали с измерването на времето, както се вижда от няколко останки от кръгли каменни подреждания в Ою и Комакино, които са действали като слънчеви часовници. Те очевидно са имали стандартизирани мерни единици, както се вижда от няколко сгради, построени по определени модели.
На определени места, съответстващи на този период, са открити полирани каменни и костни артефакти, керамика и антропоморфни фигури. Трябва да се отбележи, че керамиката Jōmon е най-старата изкуствена керамика: най-ранните следи от рудиментарна керамика датират от 11.000 XNUMX г. пр. н. е., в малки, ръчно изработени прибори с полирани страни и голям интериор. , с функционален смисъл и строга декорация.
Тези останки отговарят на период, наречен „prejōmon“ (11000 7500-7500 2500 г. пр. н. е.), следван от „архаичния“ или „ранен“ Джомон (XNUMX XNUMX-XNUMX XNUMX г. пр. н. е.), където се изработва най-типичната керамика на Джомон, изработена на ръка и украсена. с разрези или следи от въже, върху основа от вид дълбоки съдове с форма на буркан. Основната украса се състои от щампи, направени с въжета от растителни влакна, които са притиснати върху керамиката преди изпичането й.
В няколко области тези разрези са достигнали висока степен на обработка, с идеално изрязани ръбове, очертаващи серия от много сложни абстрактни линии. В редки случаи са открити останки от фигуративни сцени, обикновено антропоморфни и зооморфни рисунки (жаби, змии), подчертаващи ловна сцена, присъстваща във ваза, намерена в Хиракубо, северно от Хоншу.
И накрая, в „Късен Джомон“ (2500-400 г. пр. н. е.) съдовете се върнаха към по-естествена, по-малко сложна форма, с купи и съдове с кръгло дъно, амфори с тесни гърла и купи с дръжки, често с пръчки. или повдигната основа. Грънчарските забележителности на Джомон са: Тайшакукио, Торихама, Тогари-иши, Мацушима, Камо и Окинохара на остров Хоншу; Собата на остров Кюшу; и Хаманасуно и Токоро на остров Хокайдо.
Освен вазите, различни фигурки в човешка или животинска форма са изработени в керамика, изработени от няколко части, така че са открити малко останки от цели парчета. Тези в антропоморфна форма могат да имат мъжки или женски атрибути, а някои от андрогинния знак също са открити.
Някои имат подути кореми, така че може да са били свързани с поклонението на плодородието. Струва си да се отбележи прецизността на детайлите, които някои фигури показват, като внимателните прически, татуировки и декоративни рокли.
Изглежда, че в тези общества украсата на тялото е била много значима, главно в ушите, с керамични обеци от различни производства, украсени с червеникави багрила. В Чиамигайто (остров Хоншу) са открити повече от 1000 от тези орнаменти, което предполага местна работилница за изработването на тези продукти.
От този период датират и различни маски, обозначаващи индивидуализирана работа върху лицата. По същия начин бяха направени различни видове зелени мъниста от жадеит и те бяха запознати с лаковата работа, както се вижда от няколко крепежни елементи, открити в Торихама. Открити са и останки от мечове, кости или рога от слонова кост.
Яйой период (500 г. пр. н. е.-300 г. сл. н. е.)
Този период означава окончателно установяване на аграрното общество, което води до обезлесяване на големи разширения на територията.
Тази трансформация е довела до еволюция на японското общество в технологичната, културната и социалната област, с по-голяма социална стратификация и специализация на труда и е причинила увеличаване на въоръжените конфликти.
Японският архипелаг е осеян с малки държави, образувани около кланове (уджи), сред които преобладават Ямато, което дава началото на императорското семейство. Тогава се появява шинтоизмът, митологична религия, която сваля императора на Аматерасу, богинята на слънцето.
Тази религия насърчава истинското чувство за чистота и свежест на японското изкуство, с предпочитание към чисти материали и без декорация, с чувство за интеграция с природата (ками или свръхсъзнание). От XNUMX век пр.н.е. C. започва да въвежда континентална цивилизация, поради отношенията с Китай и Корея.
Културата Yayoi се появява на остров Kyūshū около 400-300 пр.н.е. C. и се премества в Хоншу, където постепенно заменя културата Джомон. През този период е разширено своеобразно голямо погребение с камера и могила, украсена с теракотени цилиндри с човешки и животински фигури.
Селата бяха заобиколени от ровове и се появиха различни земеделски инструменти (включително каменен инструмент с форма на полумесец, използван за жътва), както и различни оръжия, като лъкове и стрели с полирани каменни накрайници.
В грънчарството са специално произведени следните предмети: буркани, вази, чинии, чаши и бутилки с определени особености. Имаха полирана повърхност, с проста украса, предимно разрези, пунктирани и зигзагообразни ленти, като най-използваният предмет беше стъкло, чието име беше Цубо.
Той изтъкна работата с метали, предимно бронз, като т. нар. камбани дотаку, които служеха като церемониални предмети, украсени със спирали (рюсуи) под формата на течаща вода, или животни в релеф (главно елени, птици, насекоми и земноводни), както и сцени на лов, риболов и земеделска работа, особено тези, свързани с ориза.
Изглежда, че еленът е имал специално значение, може би свързано с определено божество: на много места са открити множество еленски лопатки с разрези или белези, направени с огън, за което се твърди, че е свързано с вид ритуал.
Други декоративни предмети, открити в обектите на Yayoi, включват: огледала, мечове, различни мъниста и магатама (парчета от нефрит и ахат с форма на кашу, които служеха като скъпоценни камъни за плодородие).
Периодът на Кофун (300-552 г.)
Тази ера бележи консолидирането на имперската централна държава, която контролира важни ресурси, като желязо и злато. Архитектурата се развива за предпочитане в гробището, с типични камерни и пасажни гробници, наречени kofun („стара гробница“), върху които са издигнати големи могили от пръст.
Поразителни са погребенията на императорите Оджин (346-395) и Нинтоку (395-427), където са открити голямо разнообразие от предмети, сред които е имало; бижута, фигури от различни материали особено фигури от теракота.
Тези статуетки бяха високи около шестдесет сантиметра, практически безизразни, само с няколко процепа в очите и устата, въпреки че са много актуален пример за изкуството на това време.
По облеклото и посудата в тези персонажи се открояват различни занаяти, като земеделци, милиционери, монаси, провинциални жени, менестрели и др.
В края на този период се появяват и фигури на животни, включително елени, кучета, коне, глигани, котки, кокошки, овце и риби, които обозначават значението на военното селище от времето, чиито стилови особености са свързани с културата Сила. от Корея, както и вид керамика, наречена Sueki, която е тъмна и много фина, с дрънкащи аксесоари.
Социалната диференциация доведе до изолиране на управляващите класи в изключителни квартали на градове, като Йошиногари, за да се окажат трайно сегрегирани в изолирани квартали като Мицудера или дворцовите комплекси Кансай, Икаруга и Асука-Итабуки.
Що се отнася до религиозната архитектура, ранните шинтоистки храмове (джинджа) са направени от дърво, на повдигната основа и открити стени или плъзгащи се прегради, с основи, които поддържат наклонения покрив.
Един от характерните му компоненти са торите, входна арка, която маркира входа на свещено място. Обърнете внимание на храма Исе, който се възстановява на всеки двадесет години от XNUMX-ми век.
Основната сграда (Шоден) е с повдигнат под и двускатен покрив, с девет бази, до които се стига по външна стълба. Той е в стила шинмей зукури, който отразява късния шинтоистки стил, преди пристигането на будизма в Япония.
Друг митичен храм с несигурен произход е Изумо Тайша, близо до Мацуе, легендарен храм, основан от Аматерасу. Тя е в стил тайша зукури, счита се за най-старата сред светилищата, основната атракция е издигането на сградата върху пиластри, със стълбище като основен достъп и прости дървени покрития без боядисване.
Според намерените ръкописи оригиналното светилище е било с височина 50 метра, но поради пожар е възстановено с височина 25 метра. Сградите са били Honden („вътрешно светилище“) и Hayden („външно светилище“). Кинпусен-джи, главният храм на шугендо, аскетична религия, съчетаваща шинто, будизъм и анимистични вярвания, също принадлежи към този период.
В този период откриваме първите образци на живопис, като в Кралското погребение на Оцука и гробниците във формата на долмен на Кюшу (XNUMX-XNUMX век), украсени със сцени на уловена плячка, битки, коне, птици и кораби или със спирали и концентрични кръгове.
Те бяха стенни рисунки, направени от хематитово червено, сажди, охра жълто, каолин бяло и хлоритно зелено. Един от характерните дизайни на този период е така нареченият чокомон, съставен от прави линии и арки, начертани по диагонали или кръстове, и присъстващ по стените на гробници, саркофази, статуи на Ханива и бронзови огледала.
период Асука (552-710)
Ямато замисля централизирано царство по китайски модел, въплътено в законите на Шотоку-Тайши (604 г.) и Тайка от 646 г. Въвеждането на будизма оказва голямо художествено и естетическо въздействие върху Япония, с голямо влияние от китайското изкуство.
След това идва управлението на принц Шотоку (573-621), който благоприятства будизма и културата като цяло и е плодотворен за изкуството. Архитектурата е била представена в храмовете и манастирите, най-вече е загубена, предполагайки замяната на простите шинтоистки линии с великолепието, идващо от континента.
Като най-забележителна сграда от този период трябва да назовем храма на Hōryū-ji (607), представител на стила Kudara (Paekche в Корея). Той е направен на територията на храма Wakakusadera, издигнат от Шотоку и изгорен от неговите противници през 670 г.
Построен с аксиална планиметрия, той се състои от набор от сгради, където се намират пагодата (Tō), Yumedono („залата на мечтите“)) и Kondō („златната зала“). Той е в китайски стил, използвайки за първи път покрив от керамични керемиди.
Една от характеристиките на този необикновен пример е храмът Ицукушима (593 г.), направен върху вода, в Сето, където са отбелязани Годжуното, Тахото и различни хондени. Заради красотата си е обявен за обект на световно наследство през 1996 г. от ООН.
Скулптурата на будистка тематика е изработена от дърво или бронз: първите фигури на Буда са внесени от континента, но по-късно голям брой китайски и корейски художници се заселват в Япония.
Образът на Канон, японското име на бодхисатва Авалокитешвара (наречен Гуан Ин на китайски), се е разпространил под името Бодхисатва Канон, дело на корейския Тори; Канон, разположен в храма Юмедоно на Хорю-джи; и Канон от Кудара (623 век), от неизвестен художник. Друго важно произведение е Триадата на Сакямуни (XNUMX г.), в бронз, от Тори Буши, инсталирана в храма на Хорю-джи.
Като цяло, те бяха произведения на суров, ъглов и архаичен стил, вдъхновен от корейския стил Koguryŏ, както се вижда в работата на Шиба Тори, която бележи „официалния стил“ на периода Асука: Великият Буда Асука (храмът Хоко -ji, 606), Якуши Буда (607), Канон Гузе (621), Триада Шака (623).
Друг художник, който следва този стил, е Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, автор на Четирите небесни пазители (shitenno) на Златната зала на Hōryū-ji (645), който въпреки много стария стил представя по-закръглена обемна еволюция, с повече изразителни лица.
Картината е повлияна от китайски мотиви, направена с мастило или минерални багрила, използвани върху коприна или хартия, върху пергаментови свитъци или окачени на стената. Означава страхотно чувство за рисуване, с произведения с голяма оригиналност, като реликварията на Тамамуши (Hōryū-ji), от камфор и кипарисово дърво, с бронзови филигранни ленти, представящи различни сцени в масло върху лакирано дърво, в техника, наречена мицуда -i от Персия и свързана с китайската живопис от династията Вей.
В основата на реликвария е джатака (разказ за миналите животи на Буда), показваща принц Махасатва, посвещаващ собствената си плът на гладна тигрица. По това време калиграфията започва да придобива известност, като й се приписва същото художествено ниво като фигуративните изображения.
Забелязани са и копринени гоблени, като Мандала Тенкоку, изработена за Шотоку (622). Керамиката, която може да бъде глазирана или не, има малко местно производство, тъй като е най-ценният китайски внос.
Периодът на Нара (710-794)
През този период е създадена столицата в Нара (710 г.), първата постоянна столица на микадо. По това време будисткото изкуство е в разгара си, като продължава китайското влияние с голяма интензивност: японците виждат в китайското изкуство хармония и съвършенство, подобни на европейския вкус към класическото гръко-римско изкуство.
Малкото примери за архитектура от този период са монументални сгради, като Източната пагода Якуши-джи, храмовете Тошодай-джи, Тодай-джи и Кофуку-дзи, и императорския склад Шосо-ин в Нара, който съхранява много предмети. от изкуството от времето на император Шому (724-749), с произведения от Китай, Персия и Централна Азия. Град Нара е построен според решетъчното оформление, моделирано след Чанъан, столицата на династията Танг.
На императорския дворец се приписва същото значение като на главния манастир Тодай-джи (745-752), построен по симетричен план в голямо заграждение с двойни пагоди и включващ Дайбуцуден, „голямата зала на Буда“. «. с голяма 15-метрова бронзова статуя на Буда Вайрокана (Dainichi на японски), подарена от император Шому през 743 г. Възстановена през 1700 г., Дайбуцуден е най-голямата дървена сграда в света.
Друг важен храм е Hokkedō, който може да се похвали с друга великолепна статуя, Kannon Fukukenjaku, осемрък лакиран бодхисатва, висок четири метра. високо и Тан влияние, което се забелязва в спокойствието и спокойствието на чертите на лицето.
За разлика от тях, Източната пагода Якуши-джи е опит на японските архитекти да намерят свой собствен стил, отдалечавайки се от китайското влияние. Откроява се с вертикалността си, с редуващи се корици с различни размери, което му придава вид на калиграфски знак.
В структурата си се открояват стрехите и балконите, образувани от преплетени дървени решетки, в бяло и кафяво. Вътре в него се помещава образът на Якуши Ньорай („Медицински Буда“). Той е включен в списъка на световното наследство под името Исторически паметници на древна Нара.
Tōshōdai-ji (759) има същата степен на национална асимилация, показвайки ясен контраст между Kondō („златната зала“), с неговата повлияна от Китай солидност, симетрия и вертикалност, и Kodō („лекционна зала“) . ”), с по-голяма простота и хоризонталност, които обозначават традицията на аборигените.
Друг изложител беше Kiyomizu-dera (778), чиято основна сграда се откроява с огромния си парапет, поддържан от стотици колони, който се откроява на хълма и предлага впечатляваща гледка към град Киото. Този храм беше един от кандидатите за списъка на новите седем чудеса на света, въпреки че не беше избран.
От своя страна Рино-джи е известен със Санбуцудо, където има три статуи на Амида, Сенджуканон и Батоканон. Като шинтоистки храм се откроява Fushimi Inari-taisha (711), посветен на духа на Инари, специално наречен заради хилядите червени тории, които маркират пътя покрай хълма, на който се намира светилището.
Представянето на Буда е постигнало голямо развитие в скулптурата, със статуи с голяма красота: Шо Канон, Буда от Тачибана, Бодхисатва Гако от Тодай-джи. В периода Хакухо (645-710), потискането на клана Сога и имперската консолидация доведоха до края на корейското влияние и неговото замяна от китайско (династия Тан), създавайки серия от произведения с по-голямо великолепие и реализъм, с по-закръглени и по-изящни форми.
Тази промяна е забележима в част от позлатените бронзови статуи на Якуши-джи, образувани от седналия Буда (Якуши), придружен от бодхисатвите Никко („Слънчева светлина“) и Гако („Лунна светлина“), които показват по-голяма динамика в своята контрапостна поза, и по-голяма изразителност на лицето.
В Hōryū-ji стилът на Тори от корейски произход продължава, както в Kannon Yumegatari и Триадата Amida на медальона Lady Tachibana. В храма Tōshōdai-ji има поредица от големи статуи, направени от кух изсушен лак, подчертаващи централния Буда Рушана (759), който е висок 3,4 метра. Има и изображения на духове пазители (Meikira Taisho), крале (Komokuten) и др. Те са произведения от дърво, бронз, сурова глина или сух лак, с голям реализъм.
Картината е представена от декорация на стена Hōryū-ji (края на XNUMX век), като стенописите на Кондо, които имат прилики с тези на Ajantā в Индия. Появиха се и различни типологии, като kakemono („висяща картина“) и emakimono („рисуване с валяк“), истории, рисувани върху ролка хартия или коприна, с текстове, обясняващи различните сцени, наречени сутри.
В Nara Shōso-in има редица картини на светска тематика с различни видове и теми: растения, животни, пейзажи и метални предмети. В средата на периода училището за рисуване от династията Тан дойде на мода, както може да се види в стенописите на гробницата Такамацузука, които датират от около 700 г.
С указ Taiho-ryo от 701 г. професията на зографа е регламентирана в занаятчийските корпорации. контролирано от Отдела за зографи (takumi-no-tuskasa) към Министерството на вътрешните работи. Тези асоциации отговаряха за украсата на дворци и храмове и тяхната структура просъществува до ерата Мейджи. Грънчарството се е развило забележително чрез различни техники, внесени от Китай, като например използването на ярки цветове, нанесени върху глина.
Периодът Хейан (794-1185)
В този период се осъществи правителството на клана Фудживара, което установи централизирано правителство, вдъхновено от китайското правителство, със столица в Хейан (днес Киото). Възникват великите феодали (даймьо) и се появява фигурата на самурая.
Приблизително по това време се появява графологията, наречена Hiragana, която адаптира китайската калиграфия към многосричния език, използван в Япония, използвайки китайски знаци за фонетичните стойности на сричките. Разкъсването на отношенията с Китай доведе до по-ясно японско изкуство, което заедно с религиозното изкуство се появи и светско изкуство, което би било вярно отражение на национализма на императорския двор.
Будистката иконография претърпява ново развитие с внасянето на две нови секти от континента, Тендай и Шингон, базирани на тибетския тантрически будизъм, който включва шинтоистки елементи и произвежда религиозен синкретизъм, характерен за това време.
Архитектурата претърпява промяна в плана на манастирите, които са издигнати на изолирани места, предназначени за медитация. Най-важните храмове са Енряку-джи (788 г.), Конгобу-джи (816 г.) и пагодата-храм Муро-джи. Enryaku-ji, разположен в близост до планината Hiei, е един от историческите паметници на Древно Киото, обявен за обект на световно наследство през 1994 г.
Основан е през 788 г. от Сайчо, който въвежда будистката секта Тендай в Япония. Енряку-джи имаше около 3.000 храма и беше голям център на властта по времето си, като повечето от сградите му бяха разрушени от Ода Нобунага през 1571 г.
От частта, която е оцеляла, днес се открояват Saitō („западната зала“) и Tōdō („източната зала“), където се намира Konpon chūdō, най-представителната конструкция на Enryaku ji, където се съхранява статуя на Буда ., изваяно от самия Сайчо, Якуши Ньорай.
Скулптурата е претърпяла лек спад в сравнение с предишните времена. Отново, изображения на Буда (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai от храма Jingo-ji в Киото; Amida Nyorai от манастира Byōdō-in), както и някои шинтоистки богини (Kichijoten, богиня на щастието, еквивалент на Laksihī). .
Прекомерната твърдост на будистката религия ограничава спонтанността на художника, който се ограничава до твърди художествени канони, които подкопават творческата му свобода. През 859 и 877 г. се създава стилът Джоган, отличаващ се с изображения на почти плашеща гравитация, с известен интроспективен и мистериозен вид, като Шака Ньорай от Муро-джи.
По време на периода Фудживара училището, основано от Джочо в Бьодо-ин, се издига до известност, с по-елегантен и тънък стил от скулптурата на Джоган, изразяваща перфектни форми на тялото и страхотно усещане за движение.
Работилницата на Jōchō въведе техниките йосеги и варихаги, които се състоят в разделяне на фигурата на два блока, които след това се съединяват, за да ги извайват, като по този начин се избягва последващо напукване, един от основните проблеми при големите фигури. Тези техники също позволяват сериен монтаж и са разработени с голям успех в училището Kei от периода на Камакура.
Рисуването на Ямато-е процъфтява особено върху ръкописните свитъци, наречени емаки, които съчетават живописни сцени с елегантна калиграфия на Катакана. Тези свитъци разказват исторически или литературни пасажи, като „Приказката за Генджи“, роман на Мурасаки Шикибу от края на XNUMX-ти век.
Въпреки че текстът е дело на известни книжовници, изображенията обикновено се изпълняват от куртизанки на двора, като Ки но Цубоне и Нагато но Цубоне, като се приема образец от женска естетика, която ще има голямо значение в съвременното японско изкуство.
По това време започва класификация на картините според пола, което бележи забележимо разграничение между публиката, където мъжкото е под китайско влияние, и женското и по-естетическото е художествено японско.
В онна-е, освен Историята на Генджи, се откроява Хейке Ногио (Лотосова сутра), поръчана от клана Тайра за светилището Ицукушима, където са въплътени в различни свитъци за спасението на душите, провъзгласени от будизма.
От друга страна, това Отоко-е беше по-разказно и енергично от она-е, по-пълно с действие, с повече реализъм и движение, както в свитъците Шигисан Енги, за чудесата на монаха Миорен; Ban Danigon E-kotoba, за война между враждуващи кланове през XNUMX век; и Chōjugiga, сцени на животни с карикатурен знак и сатиричен тон, критикуващи аристокрацията.
Периодът на Камакура (1185-1392)
След няколко спора между феодалните кланове е наложено Минамото, което установява шогуната, форма на управление с военен съд. По това време в Япония е въведена дзен сектата, която ще повлияе силно на фигуративното изкуство. Архитектурата беше по-проста, по-функционална, по-малко луксозна и богато украсена.
Дзен правилото довежда до така наречения стил Кара-йо: Дзен местата за поклонение следват техниката на китайската аксиална планиметрия, въпреки че основната сграда не е храмът, а читалнята, а почетното място не е заето от статуя. Буда, но до малък трон, където абатът учеше своите ученици.
Петте големи храмови комплекса Санджусанген-до в Киото (1266 г.), както и манастирите Кеннин-джи (1202 г.) и Тофуку-джи (1243 г.) в Киото и Кенчо-джи (1253 г.) и Енгаку-джи (1282 г. ) в Камакура.
Котоку-ин (1252 г.) е известен със своята голяма и тежка бронзова статуя на Амида Буда, което го прави вторият по големина Буда в Япония след Тодай-джи.
През 1234 г. е построен храмът Чион-ин, седалище на будизма Джодо шу, отличаващ се с колосалната си главна порта (Санмон), най-голямата структура от този вид в Япония.
Един от последните представители на този период е Хонган-дзи (1321 г.), който се състои от два основни храма: Ниши Хонган-джи, който включва Goei-dō и Amida-dō, заедно с чаен павилион и два етапа на театър Нох, един от които твърди, че е най-старият все още жив; и Хигаши Хонган-джи, дом на известния Шосей-ен.
Скулптурата придобива голям реализъм, намирайки на художника по-голяма свобода на творчество, за което свидетелстват портретите на благородници и войници, като този на Уесуги Шигуса (от анонимен художник), военен от четиринадесети век.
Дзен произведенията са съсредоточени върху представянето на техните господари в един вид статуя, наречена шинзо, като тази на майстор Муджи Ичиен (1312 г., от анонимен автор), в полихромно дърво, което представя дзен майстора, седнал на трон, в отношението на медитацията е отпуснато.
Училището Кей от Нара, наследник на училището Jōchō от периода Хейан, беше особено важно за качеството на своите произведения, където скулпторът Ункей, автор на статуите на монасите Мучаку и Сешин (Кофуку-джи от Нара), също като изображения на Конго Рикиши (духове пазители), като двете колосални статуи, разположени на входа на 8-метровия храм Тодай-джи (1199).
Стилът на Ункей, повлиян от китайската скулптура на династията Сонг, беше силно реалистичен, като същевременно улавя най-подробното физиономично изследване с емоционалния израз и вътрешната духовност на изобразения индивид.
Тъмните кристали дори бяха вградени в очите, за да придадат по-голяма изразителност. Работата на Ункей бележи началото на японския портрет. Неговият син Танкей, автор на Kannon Senju за Санджусанген-до, продължи работата му.
Картината се характеризира с повишен реализъм и психологическа интроспекция. Озеленяване (водопад Начи) и портрет монах Миое в съзерцание, от Еничи-бо Джонин; набор от портрети от храма Джинго-джи в Киото, от Фудживара Таканобу; Портретът на Гошин на император Ханазоно, са основно разработени.
Режимът ямато-е продължи и изображенията бяха обяснени в свитъци, много от които дълги няколко метра. Тези ръкописи изобразяват подробности от ежедневния живот, градски или селски сцени или илюстрирани исторически събития, като войната от Киото от 1159 г. между съперничещи си клонове на императорското семейство.
Те бяха представени в непрекъснати сцени, следвайки повествователен ред, с издигната панорама, в права линия. Изпъкват илюстрираните свитъци на събитията от ерата Хейджи (Хейджи моногатари) и свитъците Кегон Енги на Еничи-бо Джонин.
Рисуването, свързано с Дзен организацията, е по-пряко повлияно от Китай, с техника, по-скоро от прости китайски мастилени линии, следващи изречението на Дзен, че „твърде много цветове заслепяват окото“.
Периодът на Муромачи (1392-1573)
Шогунатът е в ръцете на Ашикага, чиято борба благоприятства нарастващата сила на даймьо, който разделя земята. Архитектурата беше по-елегантна и типично японска, включваща величествени имения, манастири като Zuihoji и храмове като Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji или Златния павилион (1397) и Ginkaku-ji. o Сребърен павилион (1489 г.), в Киото.
Кинкаку-джи е построен като селище за почивка за шогуна Ашикага Йошимицу, като част от неговия домейн, наречен Китаяма. Синът му преобразува сградата в храм за сектата Риндзай. Представлява триетажна сграда, първите два са покрити с лист от чисто злато. Павилионът функционира като шериден, който пази мощите на Буда.
Той също така съдържа различни статуи на Буда и Бодисатва, а на покрива стои златен фънхуанг. Има и красива прилежаща градина с езерце, наречено Kyōko-chi, с много острови и камъни, представящи историята на будисткото сътворение.
От своя страна Гинкаку-джи е построен от шогуна Ашикага Йошимаса, който се стреми да имитира Кинкаку-джи, построен от неговия прародител Йошимицу, но за съжаление не успя да покрие сградата със сребро, както е планирано.
Характерно за архитектурата от този период е и външният вид на токонома, стая, запазена за съзерцание на картина или цветна композиция, в съответствие с дзен естетиката. Също така беше въведено татамито, вид постелка от оризова слама, което направи интериора на японската къща по-приятен.
По това време се развива особено изкуството на градинарството, което полага художествените и естетически основи на японската градина. Появиха се два основни режима: цукияма, около хълм и езеро; и хиранива, равна градина от нарязан пясък, с камъни, дървета и кладенци.
Най-често срещаната растителност е съставена от бамбук и различни видове цветя и дървета, или вечнозелени, като японския черен бор, или широколистни, като японския клен, елементи като папрати и пяна също са ценени.
Бонсай е друг типичен елемент от градинарството и интериорния дизайн. Градините често включват езеро или езерце, различни видове павилиони (обикновено за чайната церемония) и каменни фенери. Една от типичните характеристики на японската градина, както и в останалата част от нейното изкуство, е нейният несъвършен, незавършен и асиметричен външен вид.
Има различни видове градини: „разходки“, които могат да се видят да се разхождат по пътека или около езерце; на «дневната», която се вижда от определено място, обикновено беседка или хижа тип мачия.
Te (rōji), около пътека, водеща към чайната, с плочки от бакдосин или камъни, маркиращи пътеката; и „съзерцание“ (karesansui, „планински и воден пейзаж“), което е най-типичната дзен градина, гледана от платформа, разположена в дзен манастири.
Добър пример е така нареченият безводен пейзаж на градината Ryōan-ji в Киото от художника и поета Соами (1480 г.), който представлява море, направено от нарязан пясък, пълно с острови, които са скали. , образувайки едно цяло, което съчетава реалност и илюзия и което приканва спокойствие и размисъл.
Отбелязано е възраждане на живописта, оформена в дзен естетиката, която получава китайското влияние от династиите Юан и Мин, отразено главно в декоративното изкуство.
Въведена е техниката на гваш, перфектна транскрипция на доктрината на дзен, която се стреми да отрази в пейзажите какво означават, а не какво представляват.
Появи се фигурата на бунджинсо, „интелектуалният монах“, който създава свои собствени произведения, учени и последователи на китайските техники с монохромно мастило, с кратки и дифузни щрихи, който отразява в творбите си природни елементи като борове, тръстика, орхидеи, бамбук , скали, дървета, птици и човешки фигури, потопени в природата, в позиция на медитация.
В Япония тази техника с китайско мастило се наричаше суми-е. Базирайки се на седемте естетически принципа на Дзен, суми-е се стреми да отразява най-интензивните вътрешни емоции чрез простота и елегантност, в прости и скромни линии, които надхвърлят външния си вид, за да означават състояние на общение с природата.
Суми-е беше средство (dō) за намиране на вътрешна духовност, това беше използвано от монасите. Особеностите на мастилото, фино и дифузно, позволяват на художника да улови същността на нещата в просто и естествено впечатление, но в същото време дълбоко и трансцендентно.
Това е инстинктивно изкуство за бързо изпълнение, невъзможно за ретуширане, факт, който го обединява с живота, където е невъзможно да се върнете към направеното. Всяка рисунка носи жизнена енергия (ki), тъй като е акт на съзидание, където умът се въвежда в действие и процесът е по-важен от резултата.
Най-важните представители на суми-е са: Муто Шуй, Джосетсу, Шубун, Сесон Шукей и преди всичко Сешу Тойо, автор на портрети и пейзажи, първият художник, рисувал приживе. Сешу е Гасо, монах-художник, който пътува до Китай между 1467 и 1469 г., където изучава изкуство и природен пейзаж.
Неговите пейзажи са съставени от линейни структури, осветени от внезапна светлина, която отразява Дзен концепцията за трансцендентния момент. Това са пейзажи с присъствието на анекдотични елементи, като храмове в далечината или малки човешки фигури, рамкирани на отдалечени места като скали.
Появи се и нов жанр на поетическата живопис, шиндзюку, където пейзаж илюстрира вдъхновено от натуралистично стихотворение. Заслужава да се спомене и училището Кано, основано от Кано Масанобу, което прилага техниката на гваш върху традиционни предмети, илюстрирайки свещени, национални и пейзажни теми.
Измиването е нанесено и върху боядисаните паравани и панели на плъзгащите се врати fusuma, отличителни белези на японския интериорен дизайн. В керамиката се откроява училището Сето, като най-популярната типология е тенмоку. Лаковите и металните предмети също са забележителни примери от този период.
Периодът на Адзучи-Момояма (1573-1603)
По това време Япония отново е обединена от Ода Нобунага, Тойотоми Хидейоши и Токугава Иеясу, които елиминират даймьо и идват на власт.
Неговият мандат съвпада с пристигането на португалски търговци и йезуитски мисионери, които въвеждат християнството в страната, въпреки че достигат само до малцинство.
Художествената продукция от това време се отдалечава от будистката естетика, наблягайки на традиционните японски ценности, с експлозивен стил. Инвазията в Корея през 1592 г. причинява принудителното преместване на много корейски художници в Япония, които живеят в центрове за производство на керамика, изолирани от останалите.
Също така през този период са получени първите западни влияния, отразени в стила Намбан, разработен в миниатюристична скулптура, със светска тематика, декоративни порцеланови предмети и сгъваеми паравани, декорирани в стил Ямато-е, в ярки цветове и златни листа, в сцени, които разказват за пристигането на европейците на японския бряг.
Перспективните техники, както и други варианти на европейската живопис, като използването на маслена живопис, нямат опора в художествената форма в Япония.
В архитектурата се откроява изграждането на големи замъци (широ), които са подсилени от въвеждането в Япония на огнестрелни оръжия от западен произход. Добри примери са замъците Химеджи, Азучи, Мацумото, Ниджо и Фушими-Момояма.
Замъкът Химеджи, една от основните конструкции на времето, съчетава масивни укрепления с елегантността на вертикално изглеждаща структура, на пет етажа от дърво и гипс, с леко извити форми на покрива, подобни на тези на традиционните японски храмове.
Селата за селски чайни церемонии, състоящи се от малки вили или дворци и големи градини, също са се размножили, а в някои градове са построени дървени театри за представления на кабуки.
В областта на живописта училището Кано улавя по-голямата част от официалните комисии, разработвайки стенописите на основните японски замъци, имаше важни фигури на име Кано Ейтоку и Кано Санраку.
За замъците, слабо осветени от тесните си отбранителни отвори, са създадени един вид прегради със златист фон, които отразяват светлината и я разпръскват в цялата стая, с големи стенописи, украсени с героични сцени, като животни. като тигри и дракони, или пейзажи с наличието на градини, езера и мостове, или в четирите сезона, доста често срещана тема по това време.
Ситопечатът също се е развил забележително, обикновено с износени мастила, следвайки стила суми-е, както може да се види в произведенията на Хасегава Тохаку (борова гора) и Кайхо Юшо (бор и сливово дърво на лунна светлина). Фигурата на Таварая Сотацу, автор на произведения с голям динамизъм, в свитъци от ръкописи, екрани и ветрила, също беше подчертана.
Той създава лирически и декоративен стил, вдъхновен от сценария уака от ерата Хейан, наречен ринпа, създавайки произведения с голяма визуална красота и емоционална интензивност, като Историята на Генджи, Пътят на Айви, боговете на гръмотевицата и вятъра , и т.н.
Производството на керамика достигна момент на голям бум, разработвайки продукти за чайната церемония, вдъхновени от корейската керамика, чиято рустикалност и незавършен вид отразяват идеално дзен естетиката, която прониква в чаения ритуал.
Появяват се нови дизайни, като чинии за незуми и кани за вода коган, обикновено с бяло тяло, къпано в слой фелдшпат и украсено с прости дизайни, направени от желязна кука. Това беше дебела керамика с остъклен вид, с незавършена обработка, която създаваше усещане за несъвършенство и уязвимост.
Сето остава основен продуцент, докато в град Мино се раждат две важни училища: Шино и Орибе. Отбелязани са също училището Карацу и два оригинални вида керамика:
Iga, с груба текстура и дебел слой глазура, с дълбоки пукнатини; и Bizen, неглазиран червеникаво-кафяв фаянс, все още мек, отстранен от колелото, за да се получат малки естествени пукнатини и разрези, които му придадоха крехък вид, все още в съответствие с дзен естетиката на несъвършенството.
Един от най-добрите художници на това време беше Хонами Коецу, който се отличи в живописта, поезията, градинарството, лакирането и т.н. Обучен в художествената традиция от периода Хейан и в училището по калиграфия Шоренин, той основава занаятчийска колония в Такагамине, близо до Киото, върху земя, подарена от Токугава Иеясу.
Селището е поддържано от занаятчии от будистката школа Ничирен и е създало редица висококачествени произведения. Те се специализираха в лакови изделия, предимно офис аксесоари, украсени със златни и седефени инкрустации, както и различни прибори и прибори за чайната церемония, подчертавайки пълната купа фуджисан. червеникаво, покрито с черни бикини и отгоре непрозрачно ледено бяло, което дава ефект на снеговалеж.
Период Едо (1603-1868)
Този художествен период съответства на историческия период на Токугава, когато Япония е била затворена за всякакви външни контакти. Столицата е създадена в Едо, бъдещо Токио. Християните били преследвани, а европейските търговци прогонени.
Въпреки системата на васалитет, търговията и занаятите се разрастват, пораждайки буржоазна класа, която нараства по сила и влияние и се посвети на популяризирането на изкуствата, особено щампи, керамика, лакови изделия и изделия. текстил.
Най-представителните произведения са дворецът Кацура в Киото и мавзолеят Тошо-гу в Никко (1636 г.), който е част от „светилищата и храмовете Никко“, и двете обявени за обекти на световното наследство от ЮНЕСКО през 1999 г.
Нещо жанрово съюзът на шинто-будистите е мавзолеят на шогуна Токугава Иеясу. Храмът е строго симетрична структура с цветни релефи, покриващи цялата видима повърхност. Открояват се цветните му конструкции и претоварени орнаменти, които се различават от стиловете на храмовете от онова време.
Интериорът е украсен с детайлни лакови резби в ярки цветове и майсторски изрисувани пана. Дворецът Кацура (1615-1662) е построен по вдъхновен от дзен асиметричен план, където използването на прави линии на външната фасада контрастира с извивостта на заобикалящата градина.
Поради състоянието си като седалище, където ще почива императорското семейство, вилата се състои от основна сграда, няколко пристройки, чайни и 70000 XNUMX-метров парк. Главният дворец, който има само един етаж, е разделен на четири пристройки, събиращи се в ъглите.
Цялата сграда има определени характеристики, че е построена върху стълбове и над тях серия от стаи със стени и врати, някои с картини от Кано Таню.
Характерни за този период са и чайните къщи (чашицу), обикновено малки дървени сгради със сламени покриви, заобиколени от градини в привидно изоставено състояние, с лишеи, мъхове и паднали листа, следвайки концепцията на Дзен. на трансцендентното несъвършенство.
Начало на художествено и интелектуално развитие
През този период Япония постепенно изучава западните техники и научни постижения (наречени рангаку) чрез информация и книги, получени от холандски търговци в Деджима.
Най-изучаваните области включват география, медицина, природни науки, астрономия, изкуство, езици, физически понятия като изучаване на електрически и механични явления. Имаше и голямо развитие на математиката, в течение, напълно независимо от това на западния свят. Това силно течение се наричаше васан.
Разцветът на неоконфуцианството е най-голямото интелектуално развитие на периода. Изучаването на конфуцианството е активно от дълго време от будистките духовници, но през този период тази система от вярвания привлича голямо внимание към концепцията за човека и обществото.
Етичният хуманизъм, рационализмът и историческата перспектива на конфуцианството се разглеждат като социален модел. В средата на XNUMX век конфуцианството се превръща в доминираща правна философия и пряко допринася за развитието на националната система за обучение, кокугаку.
Основната му добродетел за шогунския режим беше акцентът върху йерархичните взаимоотношения, подчинението. до горе. и подчинение, което обхваща цялото общество и улеснява запазването на феодалната система.
Текстилното изкуство придобива голямо значение, главно в коприната, която достига нива на най-високо качество, поради което копринени рокли (кимоно) в ярки цветове и изящен дизайн често се окачват в стаите. разделени, сякаш са екрани.
Използвани са различни техники, като боядисване, бродерия, брокат, щамповане, апликация и ръчно рисуване. Коприната е била достъпна само за висшите класи, докато хората, облечени в памук, изработени с помощта на индонезийската техника икат, са предени на части и боядисани индиго, редуващи се с бяло.
Друга техника с по-ниско качество е тъкането на памучни конци с различни цветове, с домашно приготвени бои в стил батик с помощта на оризова паста и варени и агломерирани оризови трици.
Трябва да се отбележи, че точно както японското изкуство е повлияно от западното изкуство през XNUMX век, то също е повлияно от екзотиката и естествеността на японското изкуство. Така на Запад се заражда т. нар. японизъм, развит главно през втората половина на XNUMX век, особено във Франция и Великобритания.
Това беше разкрито в така наречените Japoneries, предмети, вдъхновени от японски щампи, порцелан, лак, ветрила и бамбукови предмети, които станаха модерни както в декорацията на дома, така и в много лични облекла, отразяващи фантазията и декорализма на японската култура. Японска естетика .
В живописта стилът на училището укийо-е беше приет с ентусиазъм, а произведенията на Утамаро, Хирошиге и Хокусай бяха високо оценени. Западните художници имитират опростената пространствена конструкция, простите контури, калиграфския стил и натуралистичната чувствителност на японската живопис.
Съвременно време (от 1868 г.)
В периода Мейджи (1868-1912) в Япония започва дълбок културен, социален и технологичен ренесанс, който се отваря повече към външния свят и започва да включва нови постижения, постигнати на Запад. Хартата от 1868 г. премахва феодалните привилегии и класовите различия, което не води до подобряване на обеднелите пролетарски класи.
Започва период на силен империалистически експанзионизъм, който води до Втората световна война. След войната Япония преминава през процес на демократизация и икономическо развитие, което я превръща в една от водещите световни икономически сили и водещ център на индустриално производство и технологични иновации. Ерата Мейджи е последвана от епохите Тайшо (1912-1926), Шоуа (1926-1989) и Хейсей (1989-).
От 1930 г. прогресивната милитаризация и експанзия в Китай и Южна Азия, с последващо увеличаване на ресурсите, отпуснати за военния бюджет, доведоха до спад в художественото покровителство. Въпреки това, с следвоенния икономически бум и новия просперитет, постигнат с индустриализацията на страната, изкуствата се възраждат, вече напълно потопени в международните арт движения поради процеса на културна глобализация.
Освен това икономическият просперитет насърчава колекционирането, създаването на много музеи и изложбени центрове, които помогнаха за разпространението и запазването на японското и международно изкуство. В религиозната сфера утвърждаването в ерата на Мейджи на шинтоизма като единствена официална религия (Шинбуцу бунри) доведе до изоставяне и унищожаване на будистки храмове и произведения на изкуството, което би било непоправимо без намесата на Ърнест Фенолоса, професор по философия. от Имперския университет в Токио.
Заедно с магната и покровителя Уилям Бигелоу, той спасява голям брой произведения, които подхранват колекцията от будистко изкуство в Музея на изящните изкуства в Бостън и художествената галерия Freer във Вашингтон, две от най-добрите колекции от азиатско изкуство в свят..
Архитектурата има двойна посока: традиционната (храм Ясукуни, храмовете Хейан Джингу и Мейджи в Токио) и повлияна от Европа, която интегрира нови технологии (Музей Ямато Бункакан, от Исо Хачи Йошида, в Нара).
Вестернизацията доведе до изграждането на нови сгради като банки, фабрики, железопътни гари и обществени сгради, построени със западни материали и техники, първоначално имитиращи английската викторианска архитектура. Някои чуждестранни архитекти също са работили в Япония, като Франк Лойд Райт (Imperial Hotel, Токио).
Архитектурата и урбанизмът получават голям тласък след Втората световна война, поради необходимостта от възстановяване на страната. Тогава се появи ново поколение архитекти.
Водени от Кензо Танге, автор на произведения като Мемориалния музей на мира в Хирошима, катедралата Света Мария в Токио, Олимпийския стадион за Олимпийските игри в Токио през 1964 г. и др.
Студентите и последователите на Tange създават концепцията за архитектура, разбирана като "метаболизъм", виждайки сградите като органични форми, които трябва да бъдат адаптирани към функционалните нужди.
Движението, основано през 1959 г., мислеше да създаде център за население, чиято предпоставка беше да създаде серия от сгради, които се променят според външните промени, сякаш е организъм.
Неговите членове включват Кишо Курокава, Акира Шибуя, Юджи Ватанабе и Кийонори Кикутаке. Друг представител е Маекава Кунио, който заедно с Танге въвежда стари японски естетически идеи в твърдите съвременни сгради.
Отново използвайки традиционни техники и материали като татамито и използването на колони, традиционен строителен елемент в японските храмове, или интегрирането на градини и скулптури в неговите творения. Не забравям да използвам вакуумната техника, тя е изследвана от Фумихико Маки в пространствената връзка между сградата и околностите.
От 1980-те години на миналия век постмодерното изкуство има силна опора в Япония, тъй като от древни времена е характерно сливането между популярния елемент и изтънчеността на формите.
Този стил е представен главно от Арата Исозаки, автор на Музея на изкуствата Китакюшу и Концертната зала в Киото. Изозаки учи с Танге и в работата си той синтезира западни концепции с пространствени, функционални и декоративни идеи, типични за Япония.
От своя страна Тадао Андо е разработил по-опростен стил, с голяма грижа за приноса на светлината и отворените пространства към външния въздух (параклис на водата, Томану, Хокайдо; Църква на светлината, Ибараки, Осака; Музей на Деца, Химеджи).
Шигеру Бан се характеризира с използването на неконвенционални материали, като хартия или пластмаса: след земетресението в Кобе през 1995 г., което остави много хора без дом, Бан допринесе с проектирането на Delo, което стана известно като Хартиената къща и Хартиената църква, накрая, Toyō Itō изследва физическия образ на града в дигиталната ера.
В скулптурата има и двойствеността традиция-авангард, като се подчертават имената на Йоши Кимучи и Роморини Тойофуку, в допълнение към абстрактните Масакадзу Хориучи и Ясуо Мизуи, последният, който живее във Франция. Исаму Ногучи и Нагаре Масаюки са събрали богатата скулптурна традиция на своята страна в произведения, които изучават контраста между грапавостта и лъскавината на материала.
Картината също следва две тенденции: традиционната (нихонга) и западната (йога), въпреки съществуването и на двете, фигурата на Томиока Тесай остава в началото на 20 в. Докато стилът на нихонга се засилва в края от 19 век от изкуствоведа Окакура Какузо и педагога Ърнест Фенолоса.
Търсене на традиционното изкуство за архетипната форма на изразяване на японската чувствителност, въпреки че този стил също е получил известно западно влияние, особено от прерафаелита и романтизма. Той беше представен главно от Хишида Шунсо, Йокояма Тайкан, Шимомура Канзан, Маеда Сейсон и Кобаяши Кокей.
Живопис в европейски стил е подхранван за първи път от техники и теми, използвани в Европа в края на XNUMX-ти век, свързани главно с академичността, както в случая с Курода Сейки, който учи няколко години в Париж, но след това продължава различните течения, които се появиха в западното изкуство:
Групата Хакуба Кай пое влиянието на импресионистите; абстрактната живопис имаше Такео Ямагучи и Масанари Мунай като главни герои; Изобразителни художници включват Фукуда Хейчачиро, Токуока Шинсен и Хигашияма Кайи. Някои художници са се установили извън страната си, като Геничиро Инокума в Съединените щати и Цугухару Фуджита във Франция.
В Тайшо, йога стилът, който имаше по-голямо влияние върху нихонга, въпреки че нарастващото използване на светлината и европейската перспектива намалиха разликите между двете течения.
Точно както nihonga до голяма степен възприе иновациите на постимпресионизма, йога проявява склонност към еклектизъм, възниквайки от голямо разнообразие от различни художествени движения.
За този етап е създадена Японската академия за изящни изкуства (Nihon Bijutsu In). Рисуването от епохата на Шоуа е белязано от работата на Ясури Сотаро и Умехара Рюзабуро, които въвеждат концепциите за чисто изкуство и абстрактна живопис в традицията на Нихонга.
През 1931 г. е създадена Независимата художествена асоциация (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) за насърчаване на авангардното изкуство.
Още през Втората световна война правителствените правни разпоредби ясно подчертават патриотичните теми. След войната художниците се появяват отново в големите градове, особено в Токио.
Създаване на градско и космополитно изкуство, което отдадено следваше стилистичните иновации, произведени в международен план, особено в Париж и Ню Йорк. След абстрактните стилове от шейсетте, седемдесетте се върнаха към реализма, предпочитан от поп-арт, както е обозначено от работата на Шинохара Ушио.
Поразително е, че към края на 1970-те години се случи нещо интересно, а именно, че има завръщане към традиционното японско изкуство, в което виждат по-голяма изразителност и емоционална сила.
Традицията на щампата продължава и през XNUMX-ти век в стил на „творчески щампи“ (sosaku hanga), нарисувани и изваяни от художници, за предпочитане в стил нихонга, като Кавасе Хасуи, Йошида Хироши и Мунаката Шико.
Сред най-новите тенденции, Gutai Group имаше добра репутация в рамките на така нареченото екшън изкуство, което приравни опита от Втората световна война чрез действия, заредени с ирония, със силно чувство за напрежение и латентна агресивност.
Групата Gutai се състоеше от: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto и Katsuō Shiraga. Свързани с постмодерното изкуство, няколко художници, замесени в неотдавнашния феномен на глобализацията, белязан от мултикултурализма на художествените изрази.
Шигео Тоя, Ясумаса Моримура. Други видни съвременни японски художници включват: Таро Окамото, Чута Кимура, Лейко Икемура, Мичико Нода, Ясумаса Моримура, Яйой Кусама, Йошитака Амано, Шигео Фукуда, Шигеко Кубота, Йошитомо Нара71 и Такаши Мураками.
Ако сте намерили тази статия за интересна, ви каним да се насладите на тези други: