¿En qué consiste el Arte Renacentista? Y su significado

El Renacimiento fue un importante movimiento cultural, que le brindó a la sociedad una extensa cantidad de aportes de gran relevancia. Con él no sólo surgió un nuevo modo de ver la religión, sino que también llegó una revolucionaria manera de expresar el Arte Renacentista, dando paso a la creación del arte renacentista. Probablemente, este período artístico es uno de los más conocidos en todo el mundo debido a la popularidad que tuvo y sigue teniendo. Por ello, se contempla como uno de los más trascendentes de la historia universal.

arte renacentista

Qué fue el Renacimiento y su arte renacentista

Se presume que el origen del Renacimiento data entre finales del siglo XIV y comienzos del siglo XV, con su máximo apogeo en el siglo XVI.  El Renacimiento sirvió como un período de transición entre la Edad Media y la Edad Moderna. En sí, este fue un movimiento o fenómeno cultural procedente de la ciudad de Florencia, Italia, consecuencia de la considerable apertura de las ciudades, al comercio libre de otras regiones. Poco tiempo después de su auge, este se regó por todo el continente europeo, a excepción de Rusia.

Dicho período lleva este nombre, puesto que fue considerado como el renacer del arte y del interés por la historia grecolatina. El entusiasmo por la cultura clásica y la retoma del ideal de perfección se podía ver reflejado en todas las ciudades europeas. El Renacimiento convirtió a la educación como el pilar principal de las sociedades del siglo XV, los principios y estatutos de la Edad Media ya no tenían cabida aquí, los autores clásicos y sus creencias fomentaron nuevos estímulos y modelos para la creación de un nuevo pensar.

Esto propició que los artistas se alejaran del teocentrismo que tanto les había implantado la iglesia católica en sus obras, y empezaran a enfocarse cada vez más en todos los aspectos de la cultura humana; ética, moral, filosofía, ciencia, entre otros. Aquellos artistas que se seguían las tradiciones arcaicas de siglos pasados, eran considerados como bárbaros y anticuados, pues más bien se buscaba a través del arte una fresca forma de percibir al hombre como un ser perfecto y excepcional.

Por lo tanto, el Renacimiento representó la reactivación del conocimiento y el progreso luego de muchos años del predominio de la mentalidad dogmática de la iglesia en el Medioevo. Con su llegada, se recuperó la atención por la ciencia, la política y, sobre todo, el arte, poniendo a un lado el teocentrismo medieval y reemplazándolo por una innovadora corriente, el antropocentrismo. Se logró deslindar en su totalidad lo cívico de lo religioso.

Desde el punto de vista de la epistemología, el antropocentrismo se podría definir como la doctrina que ubica al hombre como el centro de todas las cosas y el fin definitivo de la naturaleza. Este tuvo su punto de auge en el arte griego. Por otro lado, visto desde la disciplina filosófica de la ética, el antropocentrismo defiende que, las necesidades del ser humano deben recibir atención moral inmediata por encima de cualquier requerimiento de otro ser vivo.

Por este motivo, este período dio como resultado el nacimiento de maravillosos artistas, los cuales lograron expresar su libertad creativa en su máxima esplendor, inclusive yéndose más allá del arte habitual llegaron a convertidores en excepcionales inventores.

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Períodos

Como ya te lo mencionamos, el inicio del Renacimiento no tiene una fecha fija, algunos autores aseveran que este movimiento emerge a comienzos del siglo XIV y otros afirman que más bien fue para mediados el siglo XV. No obstante, dicho período si está seriamente dividido en tres etapas, las cuales marcaron considerablemente su desarrollo de diversas maneras. Estas son:

Trecento

El característico nombre “Trecento” es una expresión de origen italiano que hace referencia al siglo XIV, lo que vendría siendo el ciclo de años 1300 específicamente. Esta época significó la transición de la Edad Media al Renacimiento. En ella, a diferencia de la era anterior, se individualiza a todos sus artistas.

Además, se intentó perfeccionar las expresiones de los rasgos emocionales en las obras, se estuvo más atento ante la anatomía del trabajo presentado, se mejoró la técnica del fresco y, sobre todo, los pintores empezaron a trabajar de lleno la composición que se incluye en los paisajes. El Trecento dio paso a la creación de dos excepcionales escuelas que contribuyeron a la renovación estética; La Florentina y La Sienesa.

Quattrocento

El Quattrocento corresponde a los años 1400 o simplemente conocido como siglo XV. Este constituye la etapa en donde el Renacimiento empieza a tomar mucho más forma. Su punto de crecimiento fue fundamentalmente en Florencia, Italia.  Aquí vuelve a retomarse la mitología clásica y se busca una nueva forma de comunicarse mediante el arte. Sus máximos exponentes fueron Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti.

La escultura logra emanciparse por completo de la arquitectura, pues la arquitectura civil adquirió una impresionante importancia dentro de las sociedades. La clase de arquitectura emergente buscaba espacios más razonables y organizados por medio de ciertas reglas esenciales.

Los espacios públicos debían poseer una distribución ordenada. El precepto tradicional grecorromano se retoma y se puede observar en todos lados; áreas residenciales, centros de comercio y hasta palacios, los cuales dejaron de ser concebidos como fortalezas. Aunado a ello, se desarrolló la pintura al óleo y surgió el género del retrato pictórico.

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Cinquecento

La gran cúspide  del Renacimiento, el Cinquecento, siglo XVI o años 1500. En este período, Florencia ya no es más el punto de desarrollo del proceso artístico, este se traslada a la capital italiana, Roma. De hecho, en el Cinquecento fue creada una de las obras más reconocidas en todo el mundo del período renacentista, La Capilla Sixtina.

Esto se debe a que los grandes artistas renacentistas fueron atraídos a Roma por parte de la de la iglesia católica para realizar obras dentro sus edificaciones, dando como resultado la aparición de pintores, escultores y arquitectos reconocidos para ese entonces, como Sangallo, Pallado, Miguel Ángel, Vignola y Della Porta. Adicionalmente, se manifestó una innovador estilo denominado “manierismo”, que logró convivir*durante mucho tiempo en conjunto de la tendencia clasicista.

Características generales 

A pesar de que a lo largo del Renacimiento surgieron una extensa variedad de expresiones, estilos, movimientos e intereses, este si dispone de ciertas características que lo podrían definir y nos permitiría diferenciarlos del resto de los periodos de la historia humana. Entre los más destacados se encuentran:

Gran influencia del arte griego

Uno de los más sobresalientes factores que llevaron al inmenso cambio cultural y artístico en toda Europa, fue la gran influencia del arte griego clásico en los escultores, pintores y escritores de la época. La mayoría de las características que se pueden observar en estas obras son muy similares a las presentes en las obras griegas.

La persona de más relevancia en dicho cambio fue Francesco Petrarca, célebre artista italiano del siglo XIV. La inspiración obtenida de la antigüedad logró renovar los temas y criterios de creación en cada una de las disciplinas artísticas. Además, esto propició a la aparición de movimientos que se alejaban de la cultura arcaica del Medioevo.

Aparición del Humanismo

Con la llegada del Renacimiento, también surge un movimiento intelectual eminente que lleva por nombre “Humanismo”. Motivo por el cual mucho del arte de esta era está inspirado en creencias filosóficas. En dicho movimiento, se aparta las tradiciones eclesiásticas antiguas de la Edad Media y  se exalta considerablemente las cualidades propias de la naturaleza humana.

La práctica del humanismo en el Renacimiento permitió que los artistas hablarán con una mayor libertad sobre la religión y sobre temas que antes eran considerados como pecados. De igual manera, su aparición significó que se prestara más atención a los rasgos y pequeños detalles de las personas retratadas.

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Aquellos que seguían el humanismo con convicción, pretendían conocer la esencia real del hombre y darle un sentido sensato a la vida, todo esto con la ayuda de los grandes maestros  griegos y latinos de la antigüedad. El movimiento en aquel entonces funcionó de infinitas maneras para la sociedad griega, inclusive contribuyó al surgimiento de la ideas democráticas dentro de la política.

En el Cinquecento, muchos pintores neerlandeses famosos lograron desarrollar mejores métodos de pintar en óleo. Las técnicas llegaron hasta la cuna del Renacimiento y los artistas florentinos adoptaron el modo revolucionario de los holandeses de hacer sus pinturas. La mejora de sus técnicas trajo consigo que las pinturas fuesen de una calidad superior y, por consiguiente, que estas durarán mucho más.

Una extensa cantidad de personajes extraordinarios de este país, hasta el sol de hoy son considerados como los mejores dentro de sus disciplinas, tales como Donatello y Piero della Francesca. Hubo un antes y después en este período, el cambio significativo de las técnicas y los temas tratados se pueden observar en todas las obras.

Reencuentro de los clásicos literarios

A causa de todos las desgracias que tuvo que vivir la humanidad en la Edad Oscura, en Europa hubo una valiosa cantidad de literatura pérdida, quemada o confiscada por parte de la iglesia católica y la realeza de aquel entonces. Unos años después de que el continente europeo logró salir de la oscuridad de la Edad Media, empezaron a aparecer muchos de los textos que se habían extraviados.

Los autores al ver esto, decidieron retomar los temas que se habían prohibido y usar como inspiración las mejores obras de los siglos pasados, dándole un toque antiguo y contemporáneo a sus creaciones.

Predominio de la simetría, el equilibrio y la proporción

Al interesarse de nuevo por el arte clásico, reaparece también el entusiasmo por los 3 aspectos fundamentales del canon clásico; la simetría, el equilibrio y la proporción. Estos no sólo servían para representar en las obras los elementos estéticos básicos que debía poseer una composición refinada, pura y transparente, sino que además reflejaba una expresión del racionalismo científico y filosófico adoptado en la época. El predominio de los tres aspectos se pueden notar en el famoso dibujo de Leonardo Da Vinci, El Hombre de Vitruvio (1490).

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El arte como forma de conocimiento

A pesar de que en la Medioevo se consideraba a todas las artes plásticas como simples artes manuales, en el Renacimiento esto cambió de parecer. Los artistas y su comunidad estuvieron al pie del cañón para que se modificara el pensamiento de ello, pues en el arte renacentista también logró incorporarse el espíritu científico. La mayoría de los escultores, pintores, e inclusive escritores, al mismo tiempo que se desempeñaban en su áreas se encargaban de estudiar a fondo anatomía, geometría y otras ciencias.

Comienzo del estudio de la naturaleza

Entre la era anterior y esta, existe una amplia cantidad de diferencias, una de ellas es el comienzo del estudio de la naturaleza por parte de los artistas. En el Renacimiento los creadores ya no tenían que cumplir un código estricto de conducta, podían descubrir el mundo y todo el universo si así lo preferían. El ser humano pudo retomar las investigaciones de cómo funcionan la leyes físicas de nuestro universo, para ello se utilizó lo conocimientos previos de las antigüedad en geometría, matemáticas, astronomía, filosofía, anatomía, botánica, etcétera.

En el ámbito de las bellas artes, a partir de dichos estudios se propició el desarrollo de otras vertientes como el de la luz diáfana, dando origen a técnica pictórica del claroscuro, y el de geometría espacial, que permitió el perfeccionamiento de la perspectiva lineal y el punto de fuga. Igualmente, el estudio de la naturaleza posibilita que se perfeccionara el naturalismo, base de la reproducción de  formas naturales en búsqueda de se verosimilitud.

Surgimiento de nuevos géneros

A causa de las ganas de innovar que poseía toda la población en el Renacimiento, empezaron a surgir nuevos géneros en todas las artes, o al menos, se siguieron desarrollando lo que ya existían para fecundar esos aires de cambio. En la pintura, debido a la aparición de la técnica pictórica de la pintura al óleo, se pudo crear una nueva variante llamada pintura sobre el lienzo.

Esta posibilitó el desarrollo posteriormente de otros nuevos géneros como el retrato pictórico. Por el lado de la escultura, esta logró finalmente independizarse en su totalidad de la arquitectura, propiciando el nacimiento de la escultura exenta y la creación de monumentos públicos.

En la literatura, aparece un género que en la actualidad es de suma importancia: el ensayo, creado e impulsado por el escritor y filósofo francés Michel de Montaigne. Por su parte en la lírica se promueven una gran infinidad de géneros nuevos como la canción, la oda, la égloga, la elegía, la sátira y el himno.

En la narrativa en verso, se comenzó a practicar la epopeya, el romance y el poema épico; y en la narrativa en prosa, la leyenda, el cuento, la fábula y la novela en todas sus versiones. Por último, la música comenzó a tener una mayor relevancia dentro de la sociedad, dando como resultado la instauración de la polifonía, el motete, la misa, el madrigal, el romance, el villancico, la ensalada, etcétera.

Principio estéticos

Los principios estéticos de este período son muy diversos,  pues al no tener la mismas restricciones que en la Edad Media, los artistas contaban con mucha más libertad para realizar los que ellos quisieran. En sus obras se tocaban tópicos como el nacimiento, el matrimonio o la vida en general.

El apoyo de la sociedad llegó a ser tan alto, que tanto la clase media como la aristocracia, se encargaban de comprarle todo su arte para aumentar el valor de sus y el de su estatus social. Para dejar de hablar de tantas generalidades, vamos un poco más en el tema y tratar cada una de las expresiones artísticas individualmente. Estas se podrían dividir en tres; pintura, escultura y arquitectura.

Pintura

Dentro de las características que definen la pintura renacentista se encuentran el clasicismo y el realismo. Primero definamos que es el clasicismo, tendencia o estilo artístico que se caracteriza por la búsqueda de la simetría, serenidad y coherencia de aquellas formas propias de la tradición grecorromana.

Con el uso de ella, el pintor abocaba a las técnicas de las pinturas tradicionales, es decir, simplicidad y balance en su máxima expresión. Aunado a ello, en las obras se optaba por el uso del realismo físico, característica utilizada gracias a la filosofía del movimiento humanista.

Pese a que en el Renacimiento el arte se apartó un poco de los temas religiosos, las obras más reconocidas de la época son referentes a estos tópicos. Esto se debe a que la iglesia católica en ese entonces contrató a muchos artistas italianos, como por ejemplo Miguel Ángel, para se encargaran de hacer varias obras alegóricas con escenas de las historia del catolicismo.

A finales del siglo XVI, los pintores dejaron a un lado el clasicismo y adoptaron la innovadora técnica del manierismo. En este estilo artístico se buscaba exponer  formas complejas y carentes de naturalidad, los objetos dibujados eran pintados especialmente para parecer distorsionados.

Sus principales representantes fueron italianos: Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Tiziano, Caravaggio, Tintoretto, entre otros. Sin embargo, a raíz de la expansión del movimiento empezaron a surgir otros personajes de gran importancia, principalmente de España y Holanda, como Juan de Juanes, Luis de Morales, Alonso Sánchez Coello, Pieter Brueghel, Jan van Scorel o El Bosco.

Por su parte, dentro las pinturas más reconocidas de la época destacan; «La Adoración del Cordero de Dios», Hubert y Jan Van Eyck (1430), «Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa», Jan Van Eyck (1434), «La primavera», Sandro Botticelli (1477), «La Última Cena», Leonardo da Vinci (1496), «La Gioconda», Leonardo da Vinci (1503), «La creación de Adán», Miguel Ángel (1510) y «La escuela de Atenas», Rafael Sanzio (1511).

Arquitectura

Los arquitectos del Renacimiento, se alejaron completamente del ideal gótico que se había venido trabajando en todas las edificaciones de la Edad Media y siglos pasados. Sus estructuras eran sumamente limpias, estos pensaban que lo mejor era crear estructuras más sencillas y de menos altura, por ello, lo común es observar arquitecturas mayormente redondeadas.

No obstante, no hubo una mayor diferencia entre el siglo pasado y este con respecto a la creación fundamentalmente de iglesias, además de mansiones urbanas y exclusivas en zonas campestres de personas de alta sociedad. Muchos de ellas hechas por el artista de origen italiano, Andrea di Pietro della Góndola. Por lo general, la parte exterior de lo edificios de la época eran planos y estaban ornamentados con motivos bastantes conservadores como columnas y arcos, haciendo referencia a la Antigua Grecia.

Los máximos exponentes de la arquitectura renacentista estuvieron en la tierra natal del movimiento, Italia. Estos fueron: Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato d’Angelo Bramante, Antonio da Sangallo el Joven, Andrea Palladio, Jacopo Barozzi de Vignola y Miguel Ángel. Las obras arquitectónicas más importantes del Renacimiento son; «La Catedral de Santa María del Fiore», Arnolfo di Di Cambio, Filippo Brunelleschi, Francesco Talenti y Bernardo Rossellino (1436).

«La Basílica de San Lorenzo», Miguel Ángel y Filippo Brunelleschi (1470), «El Palazzo Farnese», Antonio da Sangallo el Joven, Jacopo Vignola, Giacomo della Porta, Girolamo Rainaldi y Miguel Ángel (1534), «La Villa Capra», Andrea Palladio (1592) y «La Basílica de San Pedro», Donato d’Angelo Bramante,  Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Carlo Maderno y Gian Lorenzo Bernini (1626).

Escultura

Al igual que la pintura y la arquitectura, la escultura renacentista estuvo muy inspirada en los referentes antiguos, Grecia e inclusive Roma. En ella se buscaba que los rasgos y detalles en las obras fuesen excelsos, el realismo era el objetivo final de todos los escultores , de hecho, raramente podrías encontrar una obra que no te impresionara. Los tallados debían ser anatómicamente proporcionados y precisos.

En Italia, los gobiernos de cada ciudad, en especial el de Florencia, se encargaron de hacer inversiones de grandes sumas de dinero para que los artistas realizarán esculturas excepcionales. Asimismo, las personas pudientes le encomendaban los escultores famosos obras personalizadas para tenerlas en su jardines y mansiones. Todo el mundo, empezó a mostrar un mayor interés en el arte de esculpir, haciendo que la profesión se convirtiese en una de las mas lucrativas del momento.

Tal y como pasaba con las pinturas, la iglesia procuro que los artistas emergentes fuesen los encargados de realizar sus obras, por lo que es común ver esculturas de temas religiosos. Sin embargo, el potencial creativo de esta destreza fue superior, con ella inclusive se crearon las puertas esculpidas a mano de la Catedral de Florencia, una hazaña que jamás se había visto.

En el área de la escultura, se pueden mencionar una vasta cantidad de representantes, pero de entre los más importantes resaltan: Donatello, Miguel Ángel, Lorenzo Ghiberti, Giovanni da Bologna y Andrea del Verrocchio. Las esculturas más célebres de este período fueron; «El David», Donatello (1440), «Bartolomeo Colleoni», Andrea del Verrocchio (1488), «El David», Miguel Ángel (1504), «La Piedad del Vaticano» Miguel Ángel (1515) y «Hércules y el centauro Neso», Giovanni da Bologna (1599).

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