Tiene como objetivo brindar a los espectadores una experiencia intangible y emocional, siendo completamente diferente para cada uno, la cual puede variar completamente según el estado de ánimo, el Arte abstracto es la libertad que tiene tanto al artista como al amante de interpretar la obra como quiera, sin ningún compromiso real.
Arte Abstracto
El arte abstracto es un movimiento artístico que nació a principios del siglo XX, en partes alejadas de Alemania, donde no desarrolló una intención común. El término designa aquellas obras pictóricas y plásticas que van más allá de la representación de objetos reales. El arte abstracto o abstracción generalmente se entiende como una forma de arte (especialmente en las artes visuales) no representa objetos propios de nuestra realidad exterior concreta.
En cambio, utiliza las relaciones formales entre colores, líneas y superficies para componer la realidad de la obra, de una manera «no representativa». Proviene de las experiencias de las vanguardias europeas, que rechazan la herencia del renacimiento de las academias de arte, es decir, la estética grecorromana. La expresión también se puede utilizar para referirse específicamente al arte producido a principios del siglo XX por ciertos movimientos y escuelas que generalmente se ajustan al arte moderno.
A principios del siglo XX, antes de que los artistas alcanzaran la abstracción absoluta, el término también se utilizó para referirse a escuelas como el cubismo y el futurismo que, si bien eran representativas y figurativas, buscaban sintetizar los elementos de la realidad natural, dando como resultado obras que escapaban a la simple imitación de lo «concreto».
El Arte abstracto, reivindica una serie de tendencias, grupos, creaciones, en general diversas, que se basan en una protesta contra el academicismo y el naturalismo, quitando de la imagen plástica los elementos del mundo visible, hasta entonces representados por el llamado arte figurativo, y colocando en su lugar un sistema de signos, líneas, manchas, que deben expresar, en forma pura, la acción de la racionalidad y sensibilidad humana pero también los pensamientos ocultos y detalles de su personalidad que están enterrados en el alma esperando ser revelados.
Definición de arte abstracto
El ensayista y artista flamenco-francés Michel Seuphor (seudónimo de Fernand Berckelaers) define el arte abstracto de la siguiente manera: desorden arbitrario, donde el color, la forma, las estructuras y las líneas toman el lugar del objeto figurativo, tanto en la pintura como en la escultura. Abstracto proviene del latín abstrahere y significa omitir, quitar, tomar distancia.
El significado literal es, por lo tanto, “alejado de la realidad». Cuando una persona se distancia de la realidad, por ejemplo, de una obra de arte realista o figurativa, luego se aborda la imaginación del ser humano, y de eso se trata precisamente el arte abstracto. En una obra de arte semi-abstracta, la obra produce una impresión abstracta, pero, no obstante, se puede reconocer en ella una representación.
Partiendo de la idea de que las bellas artes, la arquitectura y la música son abstractas por excelencia, presuponen al mismo tiempo una suma de conexiones con lo irreal y, por regla general, no aceptadas como construcciones, sino conjuntos controlados por la lógica, los primeros artistas atraídos por el abstraccionismo manifiestan, con sentimiento de liberación, toda la carga emocional, sentimental y sensible.
Los artistas abstractos buscan ser no objetivos y no figurativos, lo que permite que sea el espectador quien interpreta el significado de la obra según su punto de vista. Así, el arte abstracto no es una visión exagerada o distorsionada del mundo como lo vemos en las pinturas cubistas de Paul Cézanne y Pablo Picasso, ya que exhiben una especie de realismo conceptual. En lugar de esto, la forma y el color se convierten en objeto y sujeto de la pieza.
El arte abstracto aparece casi simultáneamente en varios países europeos, alrededor de 1910. Entre los primeros representantes de esta corriente está Wassily Kandinsky, quien, a partir de 1910, pintó una serie de pinturas titulada «Improvisaciones» y publicó un extenso estudio, «Über das Geistige in der Kunst» («Sobre lo espiritual en el arte», 1911), que contribuyó a la afirmación del arte abstracto.
Arte abstracto: Orígenes
Los historiadores del arte generalmente identifican los inicios del siglo XX como un momento histórico importante en el nacimiento del arte abstracto. Durante este periodo, los artistas se enfocaron en crear lo que definieron como «arte puro»: obras del ingenio que no se basan en lo que se percibe visualmente, sino en la imaginación del artista.
Pero los orígenes del arte abstracto se remontan a mucho tiempo atrás. De hecho, este es el primer arte creativo que ha surgido en la evolución humana. La evolución humana comenzó hace tres millones de años con la «imaginación». Abstracción, dar un paso atrás de la realidad cotidiana para sobrevivir mejor en un entorno difícil. Se necesitaron tres millones de años para evolucionar de usar una herramienta a varias herramientas. Un martillo ahora parece simplemente figurativo, pero se necesitaron tres millones de años para imaginarlo.
El gran renacimiento del arte abstracto y figurativo se produjo en todas las cuevas prehistóricas del Mediterráneo, hace cuarenta mil años. Sin embargo, este avivamiento comenzó en todo el mundo. Fue una nueva evolución del cerebro humano. En las cuevas de Lascaux podemos ver cuadrados y rectángulos en la cueva principal con una escena de hombre recostado con máscara de pájaro y toro. No es una escena de caza, sino una escena onírica de un hombre en sueño REM.
Pero también se pueden encontrar otras figuras en todas las cuevas del Mediterráneo. El círculo, medio círculo, media luna, triángulo, línea, línea ondulada, puntos, espiral, signo de la cruz, estrella de cinco puntas, nuestro hashtag y mucho más. Estos fueron los primeros pictogramas, signos de imagen informativos, que formaron el origen de todo lenguaje escrito. También imaginación para transmitir pensamientos. Hace sólo diez mil años surgieron las religiones de esta imaginación espiritual.
Quizás el arte abstracto siempre ha existido: las misteriosas hendiduras de la cerámica prehistórica, la cestería celta que adornó las miniaturas durante mucho tiempo, el lenguaje formal de la arquitectura. Sin embargo, como formaba parte de un objeto de utilidad, un elemento ornamental, un edificio, etc., no entra en la definición general de arte abstracto.
El arte pictórico no objetivo está menos presente en el arte cristiano que en la cultura judía e islámica, donde la expresión abstracta surge de la prohibición de hacer una representación en cualquier forma de arte del supremo. El arte abstracto era una necesidad en esas religiones, porque la representación de cosas concretas estaba estrictamente prohibida para evitar el regreso a la idolatría de personas, animales o cuerpos celestes.
En verdad, el arte abstracto es mucho más antiguo de lo que pensamos, y se remonta a los patrones y diseños geométricos simplificados hechos por el hombre primitivo en las paredes de las cuevas. Tradicionalmente, sin embargo, se cree que la abstracción surgió del expresionismo de la mano de Wassily Kandinsky, para quien la disposición de la forma y el color representaba visualmente un camino hacia nuestro interior espiritual y emocional. aspectos.
La base del arte expresionista (representar no meramente escenas figurativas sino nuestros propios estados de ánimo y emociones en forma pictórica) hizo una progresión natural hacia lo abstracto. Desde un punto de vista técnico, el expresionismo sentó las bases para la abstracción: implicó el uso audaz de colores vivos, a menudo en pinceladas crudas o no naturalistas, y una reducción de imágenes a diseños cada vez más simplificados para realzar el impacto del color y la forma.
Desde una perspectiva teórica, este movimiento hacia lo abstracto parecía casi inevitable. Las mismas cosas que los expresionistas deseaban transmitir en su arte, sensaciones y emociones, eran en sí mismas nociones «abstractas», intangibles y esencialmente indefinibles. Que un sujeto abstracto exigiera un modo de expresión abstracto parecía una progresión natural del pensamiento.
Sin embargo, cuando las primeras obras verdaderamente abstractas comenzaron a aparecer a mediados de la década de 1910, quedó claro que las actitudes y los enfoques de la abstracción estarían tan divididos y controvertidos como los movimientos a los que siguieron.
Pioneros
Los primeros pintores y escultores dejaron de representar el mundo real poco después de 1900. La carrera de Wassily Kandinsky es bien conocida, que pasó de estilizar la pintura en el sentido del Art Nouveau de Múnich a través de numerosas fases de desarrollo a composiciones abstractas que conducen a la absoluta no representación de las formas geométricas. Kandinsky sentó las bases teóricas de esta nueva tendencia en la pintura con su obra «Sobre lo espiritual en el arte», desarrollada en 1910.
Sin embargo, es discutible si realmente tiene un papel pionero en la historia del desarrollo del arte abstracto. Según sus propias declaraciones, pintó su primer cuadro no representativo en 1910. Mientras tanto, sin embargo, los expertos asumen que este trabajo ha sido posterior. Probablemente no se creó hasta 1913. El checo Frantiek Kupka ya había creado cuadros abstractos en 1911.
Según un informe escrito por la historiadora y periodista Julia Voss en el Frankfurter Allgemeine Zeitung en abril de 2011, Hilma af Klint (1882-1944) está considerada como la primera artista en dedicarse a pintar cuadros abstractos. Una serie de imágenes de pequeño formato que creó en noviembre de 1906 fue seguida por su primera obra de arte de gran formato en 1907.
Los artistas franceses Sonia Delaunay-Terk, Francis Picabia y Robert Delaunay, Sophie Taeuber-Arp, activa en Francia y Suiza, y el holandés Piet Mondrian son otros pioneros de la pintura abstracta. Las primeras obras escultóricas no representativas surgieron alrededor de 1920 por el constructivista ruso E. Lissitzky, el escultor ucraniano Alexander Archipenko y el escultor inglés Henry Moore.
Rasgos característicos del arte abstracto
El arte abstracto ofrece muchas más posibilidades en términos de diseño que las formas de arte representativo. Mientras que en el pasado solo se representaban paisajes, casas, personas y animales, hay mucha mayor libertad en el arte abstracto. Con esta expresión moderna, los artistas se preocupan por la representación de mundos interiores que son más multifacéticos que el mundo exterior visualmente perceptible. Animan al espectador a tratar aún más de cerca su creación y a descubrir qué quieren transmitirles.
Si no se puede establecer una referencia directa a la realidad, la única opción que queda es interpretar la obra de arte en sí. Como ayuda, el artista a menudo proporciona una leyenda escrita que proporciona información sobre lo que pensó y sintió durante la producción. Sin esta ayuda, incluso los expertos en arte experimentados llegan a opiniones diferentes al interpretar una misma obra.
Los bloques de construcción más importantes del arte abstracto son el color, la forma y el material utilizado. Los artistas modernos a menudo afirman que no es posible ninguna comparación con las figuras y formas de la naturaleza. Dan gran importancia al hecho de que sus creaciones se basan únicamente en su creatividad.
Motivos centrales
Desde 1910, el arte abstracto ha aparecido en estilos siempre nuevos. Su diversidad estilística se remonta a las dos líneas de sus orígenes:
- por un lado, surge del libre desarrollo artístico que se originó en el expresionismo, fue fundado por Wassily Kandinsky y continuado por Ernst Wilhelm Nay, Hans Hartung, Jackson Pollock y otros artistas, que ya fue realizado por artistas del Art Nouveau como August Endell, Mikalojus Konstantinas Ciurlionis y Hermann Obrist.
- Por otro lado, se basa en la dirección de la geometría, que partió casi al mismo tiempo del cubismo, a la que se pueden asignar los artistas Michail Fjodorowitsch Larionow, Kasimir Severinowitsch Malewitsch, Frantiek Kupka y Piet Mondrian.
Mientras que la primera de estas formas originales alcanzó su forma de expresión más libre en el arte informal, a partir de 1945, la otra experimentó su conexión más estricta en el campo del constructivismo tecnoide, que pasó por el desarrollo del arte concreto.
A partir de la década de 1940, también existió la pintura abstracta elaborada por Paul Klee con un lenguaje visual propio de símbolos decorativos, mágicos y ritmos de formas. Los representantes más conocidos de este movimiento artístico incluyen Willi Baumeister y varios artistas de la École de Paris.
Después de etapas preliminares en el Art Nouveau, como Espirales de crecimiento de Hermann Obrist, la escultura abstracta existe desde alrededor de 1912/13 (Alexander Archipenko, poco después Rudolf Belling). Un poco más tarde, en el constructivismo ruso, que incluye, por ejemplo, a Vladimir Jewgrafowicz Tatlin, Antoine Pevsner y Naum Gabo, la interpenetración mutua de líneas y superficies con el espacio emergió como uno de los temas más importantes en el campo de la escultura abstracta durante el siglo XX.
Además de esta línea constructiva, Hans Arp inició en 1916 una tendencia basada en formas de crecimiento con efecto vegetal. En la década de 1950, las esculturas abstractas se crearon principalmente en los EE. UU. (D. Smith). A partir de 1960 siguieron esculturas de metal de orientación horizontal abiertas por todos lados (edificio de la escuela: E. Caro, Inglaterra).
Movimientos artísticos en el arte abstracto
Después de su creación, la pintura abstracta se dividió en varios estilos diferentes en un corto período de tiempo. La subdivisión en cruz en una abstracción geométrica (Theo van Doesburg, Piet Mondrian, Kasimir Severinowitsch Malewitsch) y una abstracción expresiva (Wassily Kandinsky) o en una dirección constructiva-geométrica y lírica se relaciona principalmente con características externas y menos con las metodológicas.
El surrealismo también utilizó principios abstractos. El estadounidense Jackson Pollock es considerado el representante más conocido del movimiento artístico que más tarde se denominó expresionismo abstracto o pintura de acción. Sin embargo, otros artistas modernos como André Masson, surrealista francés, fueron pioneros.
Técnicas artísticas
La pintura de acción, conocida internacionalmente por Jackson Pollock, es una dirección de la pintura moderna en el campo del expresionismo abstracto. Apareció en Estados Unidos a principios de la década de 1950 y es similar al taquismo europeo. La pintura al óleo también se utiliza para el arte abstracto. Esta disciplina clásica suprema del arte se utiliza en particular en la pintura de retrato, paisaje y género y en naturalezas muertas. La durabilidad de la pintura al óleo es tan insuperable como el brillo de su color.
En el área de la pintura abstracta con óleo y acrílico, la técnica de la espátula, la técnica del vertido, el goteo (pulverización de la pintura sobre el lienzo), la técnica del esmalte y la técnica mixta son algunos de los métodos más importantes. La escultura incluye esculturas de acero, madera y arenisca, fundiciones de bronce y esculturas de plástico. Además, existe el collage y el uso de diferentes materiales, conocidos como técnica mixta.
Tipos de arte abstracto
En el arte abstracto se identifican cuatro tipos que son: Abstraccionismo sensible o informal, Taquismo, Abstracción geométrica y Pintura de acción. Cada uno de estos tipos de arte abstracto tiene sus características distintivas especiales que los diferencian:
Abstraccionismo sensible o informal
Predominan los sentimientos y las emociones. Los colores y las formas se crean libremente. En Alemania surge el movimiento denominado “El Caballero Azul” cuyos fundadores son Kandinsky y Franz Marc entre otros. Estos artistas ahondan en la investigación cromática, logrando variaciones espaciales y formales en la pintura, a través de los tonos y tonalidades obtenidos.
Quieren un expresionismo abstracto, sensible y emocional. Con forma, color y línea, el artista es libre de expresar sus sentimientos internos, sin relacionarlos con la memoria del mundo exterior. Estos elementos de la composición deben tener unidad y armonía, como una obra musical.
Taquismo
El taquismo apareció en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, en Europa, con la intención de romper con modelos de arte anteriores. El nombre del movimiento proviene del francés tache, que significa mancha. Formado por manchas creadas de forma impulsiva con toda la libertad o efusión emocional del artista. El tachismo lírico muestra tonos luminosos, transparentes y espontáneos. El taquismo dramático tiene tonos oscuros, serios y apasionados.
Es posible imaginar, al mirar la pintura, los movimientos que hicieron los artistas. Un artista importante que representa este tipo de pintura es Hans Hartung. Este tipo de abstracción también se denomina abstracción informal, en el sentido de que no tiene una forma definida. También se exploró la materia prima utilizada para la pintura. Algunos artistas dieron más prioridad al gesto y otros a investigar el material, creando texturas, capas y utilizando nuevos materiales.
Abstracción geométrica
Es el arte abstracto geométrico que tuvo mucha influencia de los movimientos cubista y futurista. Esto se debe al uso de formas geométricas y con un rasgo más racional y duro en las representaciones. Por lo tanto, las líneas y los colores se organizan de una manera que da como resultado una composición mayoritariamente geométrica.
Como este aspecto surgió poco después de los descubrimientos formales del cubismo, tuvo varias corrientes, algunas que merecen ser destacadas. Entre ellos: suprematismo, Constructivismo, Neoplasticismo o De Stijl, Concretismo y Neoconcretismo.
Pintura de acción
Es la producción de ‘pinturas de goteo’ improvisadas y gestuales, colocando tu lienzo en el suelo y vertiendo pintura sobre él de la lata o arrastrándolo con pincel o palo. Este tipo de pintura no tiene esquemas previos, y apareció en Nueva York, en la década de 1940, bajo la influencia de procesos automáticos de pintura surrealistas.
Artistas importantes en el arte abstracto
El pintor Francis Picabia, Francia, y Wassily Kandinsky, Rusia, crearon obras de arte abstracto alrededor de 1911 y por lo tanto, se les considera importantes pioneros del arte abstracto. Sin embargo, esto no es de ninguna manera una invención del siglo XX. La pintura ha seguido este camino en el mundo judío e islámico durante muchos siglos. Esto se debe principalmente a las creencias religiosas, que en muchos sentidos no permiten ninguna representación artística. Los representantes más conocidos del arte abstracto incluyen:
- Gerhard Richter, Alemania, (* 1932)
- Wassily Kandinsky, Rusia, Alemania, Francia, (1866 – 1944)
- Jackson Pollock, Estados Unidos, (1912 – 1956)
- Yves Klein, Francia , (1928-1962)
- Willem de Kooning, Estados Unidos, (1904-1997)
- Roberto Matta, Chile, (1911-2002)
- David Alfaro Siqueiros, México, (1896-1974)
- Joaquín Torres García, Uruguay, (1874-1949)
- Alfredo Volpi, Brasil, (1896-1988)
- Olga Albizu, Puerto Rico, (1924-2005)
- Jesús Rafael Soto, Venezuela, (1923-2005)
- Carlos Mérida, Guatemala, (1891-1984)
Críticas que enfrenta el arte abstracto
El arte abstracto se polarizó fuertemente desde el principio. Se encontró una entusiasta acogida y defensa entre quienes entraron en contacto con ella, así como críticas serias y polémicas. Incluso los historiadores del arte y los artistas más conocidos se mostraron escépticos o incluso negativos.
El arte abstracto tuvo dificultades para ser aceptado tanto por el público como por los críticos de arte. Debido a su desviación del concepto establecido de arte y su falta de representatividad, encontró el descontento de la mayoría del público. Se comentaron que no se trataba de arte y que no se requería ni artesanía ni talento artístico para crearlo. De manera polémica, los críticos citaron ejemplos de pintura de chimpancés para menospreciar el arte abstracto.
Otra dirección es la crítica de que la pintura abstracta, especialmente el expresionismo abstracto, se habría funcionalizado durante la Guerra Fría. Surge la acusación de que la CIA subvenciona a Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos en relación con el Congreso por la Libertad Cultural y en consenso con la política de financiación de la Fundación Ford y la Fundación Rockefeller.
A cambio de la expansión del realismo socialista de Stalin en su esfera de influencia, el arte abstracto después de la guerra en la Europa destruida ofreció una oportunidad para demostrar la libertad y la progresividad política y artística sin revelar un mensaje socialmente crítico demasiado abierto.
A continuación le dejamos algunos enlaces de su interés:
- Características de la diversidad Cultural
- Características del Realismo
- Características del Modernismo